Una gita a Torino: il museo egizio e la mostra di Fan Ho

L’ultimo scampolo di vacanze dell’estate 2026 (anche se in realtà siamo già entrati nell’autunno) lo dedichiamo a una gita a Torino, città da cui mancavo da tanto tempo e che mi piace molto.

Le due scuse per la gita torinese sono andare a visitare il Museo Egizio, che né io né S. abbiamo mai visto dopo il nuovo allestimento, e vedere la mostra del fotografo di Hong Kong Fan Ho in corso a Palazzo Falletti di Barolo. E ovviamente nel frattempo girare un po’ la città, andare a mangiare in posti buoni e incontrare amici torinesi o che vivono a Torino.

Non lo sapevamo – anche se l’avremmo dovuto immaginare quando abbiamo fatto fatica a prenotare i ristoranti per le nostre cene perché era tutto sold out – che, nel weekend programmato, Torino ospita Terra madre, il Salone del gusto che invade tutto il centro della città con bancarelle che propongono il meglio dei prodotti italiani, suddivisi per regione, ma anche una rappresentanza dei prodotti e della cucina internazionale di varia provenienza.

Che il nostro weekend è quello di Terra madre lo scopriamo subito quando arriviamo il venerdì e, dopo esserci sistemate nel nostro b&b a San Salvario, facciamo una passeggiata in centro passando per il lungo Po e vediamo che piazza Vittorio Veneto è chiusa al traffico e piena di gazebo bianchi.

Alla fine Terra Madre la snobberemo parecchio, forse sbagliando, ma faremo un sacco di altre cose interessanti.

Partiamo dal Museo Egizio. Arriviamo già con il nostro biglietto per la visita guidata, comprato diverso tempo prima. La nostra visita guidata è prevista per le 10,40 e quando arriviamo c’è già parecchia gente nell’atrio in attesa di partire per la visita e si stanno formando i gruppi. Scopriamo che le visite guidate partono abbastanza ravvicinate, cosicché negli orari maggiormente richiesti il numero dei gruppi che si muove negli spazi del museo è parecchio elevato. Noi abbiamo una guida molto brava che riesce a modificare il percorso e la presentazione in base alla situazione, ma devo dire che soprattutto i primi due piani che visitiamo sono ai limiti della vivibilità. A parte questo, la visita è davvero incredibile: il patrimonio del Museo - come si sa - è eccezionale, e devo dire che la riorganizzazione in maniera più contemporanea, creando percorsi cronologici e di senso, certamente aiuta a capire e a fruire meglio dei contenuti.

La guida ci spiega che periodicamente quello che viene esposto cambia, perché il magazzino del museo è altrettanto grande del museo stesso, quindi tutto sommato ha senso tornarci di tanto in tanto. Credo che quello che si vede al Museo egizio di Torino è secondo solo a quello che si può vedere andando direttamente alla fonte, ossia in Egitto. La visita dura circa un’ora e mezza, molto intensa, e quando finisce la guida consiglia di andare a visitare alcune mostre più o meno temporanee, come quella dedicata alla scrittura. Noi resistiamo un’altra mezz’oretta e poi, con gli occhi pieni di questa civiltà davvero straordinaria, torniamo all’aria aperta, dove ancora si respira clima estivo.

L’altro obiettivo della nostra gita era la mostra di Fan Ho, fotografo cinese di Hong Kong, ancora poco conosciuto in Italia e che questa retrospettiva restituisce al grande pubblico. La storia personale di Fan Ho è molto interessante, perché quando aveva solo 10 anni i suoi genitori rimasero bloccati a Macao a causa dello scoppio della guerra, e dunque il piccolo rimase per alcuni anni da solo, affidato alle cure di un domestico. Iniziò a fotografare molto presto, con una macchina fotografica che gli era stata regalata e in mostra vediamo alcune delle sue prime fotografie, scattate quando era adolescente. La sua passione per la fotografia cresce col tempo e il suo stile si va via via definendo: Fan Ho è un fotografo che lavora molto con luci e ombre e con atmosfere rarefatte, inserendo le persone dentro strutture compositive di grandissima eleganza estetica. Lo stile è fin da subito molto cinematografico, e l’occhio è rivolto non tanto alla Hong Kong in espansione, quanto a quella del passato, di cui Fan Ho cerca le tracce.

Ben presto il suo amore per il cinema lo spinge ad abbandonare la fotografia e ad intraprendere la carriera cinematografica, prima come attore, e poi dietro la macchina da presa, che era ciò che voleva. Nel cinema ottiene ottimi successi, e il ritorno alla fotografia avverrà solo nell’ultima parte della sua vita.

La mostra di Palazzo Falletti di Barolo, a cura di Elisa Maupas e Sarah Van Ingelgom, si compone di cento fotografie, e consente di avvicinarsi alla sua opera e al suo modo di intendere la fotografia. A me ha colpito soprattutto la sua attenzione alla post-produzione: tagli, ombre, interventi in camera erano normali per Fan Ho, nella convinzione che la fotografia non è rappresentazione, bensì interpretazione della realtà.

Un’altra bella visita che facciamo durante la nostra permanenza a Torino è quella alla Villa della Regina. Ci arriviamo seguendo un itinerario a piedi di una vecchia guida che ci ha prestato un’amica. L’itinerario, dopo averci portato alla Chiesa di Santa Maria del Monte dei Cappuccini, da dove si gode un bellissimo panorama sulla città (peccato per la foschia che non ci permette di vedere le montagne), ci fa arrivare fino alla Villa della Regina dove siamo incerte se spingerci fino all’entrata, visto che ci è sembrato di capire da Internet che sta per chiudere. Comunque arriviamo alla biglietteria e con nostra grande sorpresa scopriamo che è un giorno di apertura serale e dunque non solo possiamo entrare ma possiamo anche goderci la visita con calma. Quindi prima ci sediamo a vedere il bel video che racconta la storia della villa, fatta costruire nel XVII secolo da Maurizio di Savoia e poi diventata residenza estiva di due regine di Sardegna. Dopo qualche anno dalla nascita del Regno d’Italia divenne Istituto Nazionale delle Figlie degli Ufficiali, dove furono formate alcune generazioni di giovani donne. Poi, a seguito dei bombardamenti durante la seconda guerra mondiale, la struttura venne abbandonata e iniziò il degrado. Solo negli anni Novanta, con la presa in gestione da parte della Soprintendenza per i Beni Artistici e Storici del Piemonte, iniziarono i lavori di recupero che permettono oggi di visitare gli spazi del piano nobile e i giardini, da cui si gode un bellissimo panorama sulla città. Una scoperta inattesa e molto gradita per noi.

E questo per quanto riguarda le attività culturali. A livello invece di soste mangerecce facciamo una cena al Ristorante Consorzio, dove per miracolo abbiamo trovato posto: cucina specializzata in quinto quarto (che noi non mangiamo), ma dove prendiamo un piatto di carne cruda (salsiccia, pollo e fassona), agnolotti e guancia brasata, tutto molto buono. La seconda sera andiamo invece a provare farinata e pizza al padellino da Padellino Factory, dove pure mangiamo bene spendendo poco.

Per le colazioni torniamo due volte da Orso, storica torrefazione e caffetteria specialty di Torino, una delle prime nel suo genere, che ci soddisfa molto, e compriamo pane, grissini e dolcetti da Ficini, la panetteria che sta lì sulla stessa strada.

Weekend intenso e per certi versi un pochino stancante, ma certamente di soddisfazione.

Taiwan travelogue. A novel / Yàng Shuāng-Zî

Taiwan travelogue. A novel / Yàng Shuāng-Zî; translated from the Mandarin Chinese by Lin King. Minneapolis: Graywolf Press, 2024.

Era tantissimo tempo che non leggevo un romanzo in inglese. In questo caso, quando avevo sentito parlare in un podcast di Taiwan travelogue, non sembrava esserci la prospettiva di una traduzione italiana in tempi rapidi e così mi sono decisa a comprare l’edizione inglese.

Quando poi recentemente il romanzo ha vinto l’International Booker Prize le sue quotazioni sono aumentate significativamente e anche i tempi della pubblicazione in italiano si sono accorciati.

Ho però deciso di portare a termine la mia sfida, che dopo le prime 30-40 pagine avevo quasi deciso di abbandonare. Quando però sono entrata nello spirito del racconto devo dire che anche la lettura in inglese mi è risultata più facile e le ultime 100 pagine sono andate via con grande rapidità.

Il romanzo di Yàng Shuāng-Zî, tradotto in inglese da Lin King, si presenta come un gioco metaletterario. La finzione costruita dalla scrittrice vuole che il testo sia quello del diario di viaggio scritto da Aoyama Chizuko, una scrittrice giapponese invitata a Taiwan per una serie di conferenze e rimasta nell’isola per circa un anno nel 1938. Aoyama ha un grande desiderio non solo di conoscere Taiwan ma anche e soprattutto di entrare con contatto con la vera cucina locale, al di fuori delle occasioni ufficiali. In questo sarà straordinariamente supportata da Ông Tshian-hóh – Ō Chizuru in lingua giapponese. La giovane si rivela una straordinaria guida, nonché una fine conoscitrice della cucina locale, e anche una splendida cuoca. Tra Aoyama e Chi-chan (come Ông Tshian-hóh viene chiamata amichevolmente dalla scrittrice) si crea un feeling molto forte e un legame che Aoyama considera una vera e propria amicizia, o addirittura un amore.

Qualcosa però interviene a rovinare il rapporto tra le due donne, cosicché a un certo punto Chi-chan sparisce e Aoyama dovrà terminare il suo anno di permanenza a Taiwan con un’altra guida, rendendosi conto solo alla fine delle dinamiche relazionali e delle sottili questioni culturali che hanno determinato la rottura. Le appendici al diario rafforzano la finzione metaletteraria raccontando come il diario sia stato pubblicato solo grazie all’intervento successivo di Ông Tshian-hóh, che ha anche inserito un’appendice per introdurre il suo punto di vista. Quando questa edizione è andata persa/esaurita è stata la figlia di Ông Tshian-hóh a curarne la prima traduzione in cinese dal giapponese. Yàng Shuāng-Zî si presenta dunque come curatrice della seconda edizione in cinese, mentre – come sappiamo – è l’autrice di tutto il meccanismo metaletterario.

Per chi come me non sa niente di Taiwan, e dei suoi rapporti storici con il Giappone da un lato e con la Cina dall’altro, non è facile districarsi nella narrazione e cogliere tutti i segnali e gli elementi necessari a comprendere il contesto. Personalmente ho fatto fatica anche a muovermi tra le questioni linguistiche e il continuo confronto tra mainlanders (i giapponesi) e islanders (i taiwanesi). Da amante della cucina orientale e giapponese ho apprezzato particolarmente le numerose descrizioni dei piatti e delle loro preparazioni, oltre che delle differenze tra versioni giapponesi e taiwanesi.

Alla fine quando il tema del colonialismo si fa più presente ed esplicito, il libro assume tratti universalmente riconoscibili e chiama in causa anche il lettore, costringendolo a interrogarsi su quanto il colonialismo sia a volte insito in noi al punto che nemmeno ce ne accorgiamo.

Una lettura decisamente particolare, non so se in italiano sarebbe stata più semplice da gestire, o alcuni elementi linguistici e culturali sarebbero comunque rimasti un po’ estranei, ma alla fine la narrazione mi ha preso e il gioco metaletterario nel complesso mi ha divertita e convinta.

Voto: 3,5/5

Fatherland

A 8 anni da Cold war, Paweł Pawlikowski torna nella Germania postbellica e divisa del 1949 con una storia meno personale, ma altrettanto sentita.

Il grande scrittore Thomas Mann (Hanns Zischler), esiliato e ormai residente negli Stati Uniti, decide di tornare in Germania, accompagnato dalla figlia Erika (Sandra Hüller), per ritirare due premi che gli sono stati conferiti: uno a Francoforte nella Germania Ovest, dove la presenza americana è palese e gli eredi del nazismo stanno cercando di riaccreditarsi nel nuovo contesto, l’altro a Weimar nella Germania est, dove il blocco socialista a sua volta lavora per affermare la sua superiorità politica e culturale.

Durante questo viaggio un evento tragico - il suicidio di Klaus, secondogenito di Thomas - colpisce la famiglia Mann, e Thomas e sua figlia si trovano a dover fare i conti, ognuno a suo modo, da un lato con il ritorno in una terra che non riconoscono più, dall’altro con il dolore personale.

Come spesso accade nei film di Pawlikowski, la grande storia e la storia privata si saldano in maniera inscindibile, condizionandosi a vicenda. E dentro questo innestarsi della piccola storia in quella grande, il regista tocca temi universali, tra cui l’uso politico della cultura, il ruolo dell’intellettuale, il rapporto tra arte e vita, la relazione tra genitore (e che genitore!) e figli, la dinamica tra immagine pubblica e sentimenti privati, il difficile rapporto con le radici per chi è andato via volontariamente o per necessità.

Tutto questo all’interno di una confezione cinematografica in cui è riconoscibilissima la firma del regista polacco, dall’uso dell’elegantissimo bianco e nero al formato 4:3, fino all’importanza della musica (quella di Bach ha qui un ruolo centrale e catartico, ma ci sono molti altri intermezzi musicali anche eseguiti dal vivo).

Sandra Hüller – che dieci anni dopo Vi presento Toni Erdmann si ritrova nel ruolo di una figlia adulta alle prese con un padre non facile – è sempre magnifica, misurata e profonda al contempo, e Zischler nei panni di Mann rende molto bene la difficoltà di un uomo che ha ormai un ruolo quasi totemico nel fare spazio a sentimenti laceranti mentre deve governare la complessità di un mondo circostante che sente in parte estraneo e opportunista, e che vuole tirarlo nella direzione che a ciascuno fa più comodo.

Per questo la marcia indietro del finale e quello che ne consegue hanno un valore simbolico ed emotivo fortissimo che chiude magnificamente questa narrazione.

Voto: 4/5

Festa del cinema di Roma, 13-25 ottobre 2026 (Terza parte)

Leggi anche la prima e la seconda parte delle recensioni dei film della Festa del cinema 2026.

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Ulya

Siamo nel 1964 in una fattoria di un’aria remota della Lettonia, in quel momento sovietica, dove vive la comunità dei Vecchi Credenti. In questa fattoria, in una famiglia di allevatori e agricoltori, cresce Ulya (interpretata dall’attore Karlis Arnolds) la quale per un qualche motivo non ben specificato è molto alta, quasi due metri, e per questo motivo un po’ disadattata e oggetto di scherno. Un giorno, il fidanzato della sorella, che è un giornalista, propone ai suoi genitori di far trasferire Ulya a Riga per allenarsi con la squadra di pallacanestro del TTT. In questo nuovo contesto Ulya si troverà ad affrontare vecchi fantasmi, ma anche a sperimentare nuove possibilità.

Il film di Viestur Kairish è girato in un bianco e nero etereo dentro un formato 4:3, e sceglie spesso immagini sfocate e mosse, o inquadrature inconsuete, oscillando così tra l’illusione di un documentario (alcune sequenze sembrano davvero uscire da un’altra epoca, anche grazie agli attori scelti) e l’atmosfera onirica di una favola un po’ dark. Il risultato è un film visivamente molto interessante, e decisamente inconsueto, che riesce a raccontare la storia vera della grande campionessa di basket Ulyana Semjonova (morta all’inizio del 2026) in maniera complessa, misteriosa e mai scontata, trasformando un biopic in una specie di favola poetica iperrealistica. Bello.

Voto: 3,5/5



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Club kid

Jordan Firstman esordisce alla regia del suo primo lungometraggio con questo film di cui è non solo regista, ma anche sceneggiatore e attore protagonista. A me il nome di Firstman prima della visione di questo film non diceva niente, anche se poi cercando informazioni su di lui scopro che è diventato parecchio famoso come attore comico durante la pandemia e che io stessa lo avevo già incrociato nella visione di un film queer piuttosto bizzarro, ma molto originale, dal titolo Rotting in the sun.

Per il suo esordio nel lungometraggio, Firstman sceglie una strada che in qualche modo contempera il suo stile e la sua storia personale con un racconto, se vogliamo, più universale inscrivibile nell’eterno topos del romanzo di formazione.

Il protagonista del film è Peter Green (lo stesso Firstman), un giovane gay che ha fatto del clubbing – e di tutto quello che gli ruota intorno, dalle droghe al sesso - non solo la sua principale occupazione, ma anche la propria principale fonte di sostentamento. A mandare sotto sopra questa vita che dopo gli entusiasmanti esordi si trascina un po’ stancamente arriva dal nulla, un ragazzino di una decina d’anni, Arlo, che si scopre essere il figlio di Peter, risultato di una notte di cui lui stesso ricorda molto poco.

Il doversi occupare di Arlo, all’inizio suo malgrado, porta Peter verso territori emotivi inesplorati, e lo costringe a un’assunzione di responsabilità del tutto inedita per lui.

E da qui in poi credo che ognuno possa più o meno immaginarsi come procede la storia, che poi è anche il mio principale motivo di perplessità su questo film. In sala la gente al termine della proiezione era entusiasta, e non si può passare sotto silenzio che la sceneggiatura del film è brillante e a tratti dirompente e che Firstman non ha paura di essere irriverente; d’altra parte l’arco narrativo risulta piuttosto scontato e prevedibile e la redenzione del protagonista appare un po’ semplicistica e ruffiana (per esempio sul tema dell’adulto che si trova a gestire un ragazzino il livello di complessità di un film come C’mon C’mon è decisamente superiore).

Per me un lavoro riuscito per metà, ma che non ha osato essere politicamente scorretto fino in fondo, accogliendo invece la retorica dei buoni sentimenti.

Voto: 3/5



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Ghost song

Fatih Akin è il regista tedesco di origine turca che è entrato nel novero dei migliori della sua generazione con un film che è diventato un cult, La sposa turca. Da quel momento in poi, la sua filmografia è stata molto eclettica e anche molto altalenante tra cose decisamente più riuscite e altre molto meno. Io l’ho perso un po’ di vista dopo Soul Kitchen, anche se proprio la festa del cinema di Roma mi aveva permesso di vedere il suo Rheingold che non so nemmeno se poi era uscito in sala.

Con questo film Ghost song Fatih Akin ci sorprende ancora spostandosi in un territorio davvero inatteso, quello del dark romance. Siamo ad Amburgo e protagonisti della storia sono Faris e Farasha, due ventenni appena diplomati che si incontrano a una festa di diploma e si innamorano. Purtroppo, la sera stessa, mentre Faris riaccompagna a casa un suo amico e Farasha con una sua amica, l’auto va fuori strada e affonda in mare. L’unica a perdere la vita è Farasha. Da qui in poi, e per i quaranta giorni successivi, il fantasma di lei comincerà a visitare i sogni di lui, e il desiderio dei due giovani di vivere il loro amore nonostante l’infausto destino sembra trascinare Faris in una spirale autodistruttiva.

Il film di Akin è in un bel bianco e nero capace di valorizzare in particolare le architetture e le ambientazioni di Amburgo scelte per comunicare la sospensione onirica, mentre il passaggio tra un giorno e l’altro è segnato da una schermata colorata illustrata con una specie di opera di decoupage.

Ne viene fuori un film piuttosto bizzarro di cui personalmente non ho capito bene le intenzioni e a che pubblico volesse rivolgersi, e che ho trovato poco emozionante e abbastanza monocorde. Per me un passo falso che temo non andrà molto lontano.

Voto: 2,5/5



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Ben’imana

Ben’imana è il nome di un villaggio del Ruanda dove si svolge la storia di Veneranda e della sua famiglia, che si intreccia con quella drammatica del villaggio, che è poi la storia di ogni villaggio e di ogni città del Ruanda.

A Ben’imana si stanno infatti celebrando – come nel resto del paese – i processi presso i tribunali gacaca, ossia tribunali distribuiti nel territorio in cui i giudici sono cittadini scelti dagli stessi cittadini. È la strada che il Ruanda ha percorso per trovare una soluzione giuridica alla mostruosa vicenda del genocidio dei Tutsi a opera degli Hutu avvenuta nel 1994, nel periodo seguito all’incidente aereo in cui perse la vita il presidente ruandese. Una strada certamente imperfetta, ma necessaria per arrivare a voltare pagina e consentire a un paese intriso d’odio e di desiderio di vendetta di continuare a esistere come tale, offrendo una speranza di futuro alle giovani generazioni.

In questo contesto, la regista Marie-Clementine Dusabejambo si concentra sulla figura di Veneranda, una donna tutsi che da un lato è molto attiva nel villaggio a sostegno del processo di riconciliazione e dall’altro deve gestire la giovane figlia che scopre essere incinta di un giovane del villaggio, probabilmente hutu (anche se non viene mai detto esplicitamente) e la sorella, malata di AIDS, che al contrario di lei vorrebbe verità e punizioni esemplari per gli assassini e gli stupratori.

Ne viene fuori l’immagine vivida di un paese lacerato, in cui il sangue versato e le violenze perpetrate tra persone appartenenti alle stesse comunità e che prima avevano condiviso spazi e storie restano un muro di dolore e di orrore emotivamente e razionalmente invalicabile per tutti. Di fronte a quanto accaduto i sopravvissuti, che spesso portano sui propri corpi e nella loro vita i segni evidenti della violenza, reagiscono in due modi, o con il silenzio di Veneranda – che non ha parlato né intende parlare con nessuno di quello che le è successo – o con la rabbia di sua sorella Suzanne che non si dà pace e non può accontentarsi di un generico pentimento o di una condanna. Tra questi due mondi i giovani, come Tina e il suo fidanzato Richard, che sanno poco di quello che è accaduto – perché spesso non gli è stato raccontato anche solo per non condizionarne l’esistenza – e che vorrebbero guardare avanti e al futuro con speranza e fiducia, ma le cui prospettive sono in qualche modo condizionate dalla mancata rielaborazione di quello che è avvenuto.

Coincidenza ha voluto che vedessi questo film mentre stavo leggendo il libro Jacaranda di Gaël Faye che racconta storie simili e soprattutto restituisce lo stesso stato d’animo e impasse di un’intera nazione. E come sempre di fronte all’enormità di quello che i Ruandesi hanno vissuto penso a quanto poco ne sappiamo e ne capiamo, e anche a quanta poca importanza attribuiamo a vicende che invece hanno una portata enorme, ma restano fuori dal nostro spettro visivo solo perché avvengono in posti che non riteniamo centrali per le nostre vite.

Il film della Dusejambo mi pare riesca a essere fedele al contesto, ma anche leggibile da un pubblico internazionale, senza mai banalizzare né eventi né emozioni. Mi è piaciuto molto.

Voto: 3,5/5



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Notre salut = Un uomo del suo tempo

L’ultimo film della mia festa del cinema di quest’anno è Notre salut (che uscirà in Italia con il titolo Un uomo del suo tempo), il film di Emmanuel Marre che, prima della proiezione, riceve il premio Pontecorvo, istituito quest’anno per film con qualità non solo cinematografiche, ma anche di impegno civile.

Notre salut prende ispirazione dalle lettere che il bisnonno di Emmanuel, Henri Marre, si scambiava con sua moglie durante i numerosi periodi di lontananza, e ne ricostruisce il percorso umano, personale e professionale.

Siamo negli anni della Repubblica di Vichy in Francia: Marre – che da un punto di vista professionale ha un passato alquanto travagliato – cerca di accreditarsi presso le nuove istituzioni del paese nella parte guidata dal maresciallo Petain. Troverà lavoro come responsabile di un nuovo Ufficio che ha l’obiettivo di ricollocare chi ha perso il lavoro, abbassando i tassi di disoccupazione. Marre lo farà da efficiente burocrate, ligio agli ordini dei suoi superiori e senza porsi grandi domande, ma piuttosto nel tentativo di un riconoscimento personale.

In quest’ottica accetterà, seppure in modo non entusiasta, di fornire supporto per i rastrellamenti degli ebrei nel territorio della repubblica di Vichy verso la zona controllata dai tedeschi, e mostrandosi un convinto sostenitore di Petain riuscirà a riabilitarsi e a fare una piccola scalata sociale, permettendo alla sua famiglia, moglie e figli, di raggiungerlo. Pur non arrivando a denunciare superiori e colleghi, non smetterà mai di essere un collaborazionista, cosicché dopo lo sbarco in Normandia, braccato dalla Resistenza, sarà costretto a fuggire.

Detta così, sembrerebbe una storia interessante, e forse lo sarebbe pure, ma il film di Marre risulta di una lentezza, di una verbosità, di una legnosità narrativa davvero insopportabili: e persino gli stacchetti con i balletti fatti sulla musica contemporanea – di cui in realtà capisco poco il senso – non riescono a risultare digeribili. Due ore circa che mi sono sembrate il doppio, con passaggi narrativi oggettivamente un po’ confusi e, nonostante un attore di spessore come Swann Arlaud, una storia che non riesce ad arrivare al cuore, per un approccio che ho trovato spocchiosamente intellettualistico. Peccato.

Voto: 2,5/5

Festa del cinema di Roma, 13-25 ottobre 2026 (Seconda parte)

Leggi anche la prima e la terza parte delle recensioni dei film della Festa del cinema 2026.

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Klara e il sole

Avevo letto qualche anno fa il romanzo omonimo di Kazuo Ishiguro, apprezzando soprattutto il ritorno dello scrittore britannico alle atmosfere tra il distopico e il favolistico che caratterizzavano libri dome Non lasciarmi. Quando ho letto che l’adattamento cinematografico del romanzo era stato realizzato da Taika Waititi, per me legato alla straordinaria vitalità di Jojo Rabbit, ho pensato che potesse valere la pena vederlo.

La storia è quella di Klara (interpretata dalla brava Jenna Ortega), un robot umanoide creato per svolgere la funzione di amico artificiale (AA) e che, prima di essere dismesso, viene messo nella vetrina del negozio per darle un’ultima possibilità di essere acquistata. L’arrivo di Josie (Mia Tharia), che convince sua madre Chrissie (Amy Adams) a comprare proprio lei, segna l’inizio di una nuova fase della “vita” di Klara, che la porterà a confrontarsi con situazioni complesse e dal forte risvolto emotivo.

Nella recensione del romanzo ho dato la mia personale lettura della storia; qui invece mi preme dire qualche parola sul film. Quando sono uscita dalla proiezione, qualcuno dietro di me citava Il mago di Oz, e devo dire che quando ho sentito il riferimento non ho potuto fare a meno di pensare che fosse molto azzeccato, anche se a me durante la visione era venuta in mente soprattutto Amelie Poulain de Il favoloso mondo di Amélie, con cui Klara sembra condividere una naiveté insistita e inscalfibile.

La scelta di Taika Waititi mi è sembrata da diversi punti di vista (recitazione degli attori, scenografie e alcune scelte narrative) andare moltissimo nella direzione della favola, conferendo alla storia un tono più consolatorio e zuccheroso (testimoniato anche dal finale) di quello, decisamente più inquietante e sospeso, direi anche più filosofico, che avevo trovato nel romanzo di Ishiguro. Non che questa scelta mi sia completamente dispiaciuta, ma non sono del tutto convinta che tutti gli elementi su cui la storia spinge a riflettere siano adeguatamente supportati dal film di Waititi.

Voto: 3/5

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Fjord

A suo tempo avevo amato molto il film di Justine Triet Anatomia di una caduta, perché lo avevo trovato un interessantissimo esperimento sociale, capace con la propria sapiente narrazione di ingaggiare un confronto complesso e costruttivo con lo spettatore, senza dare risposte né proponendo interpretazioni.

Ebbene, seppure con accenti diversi, trovo che questa caratteristica - per me magnifica - appartenga anche al film di Cristian Mungiu Fjord, vincitore della palma d’oro all’ultimo festival di Cannes. Il precedente film del regista rumeno, Animali selvatici, anticipava – seppure in modo non pienamente riuscito secondo me – alcuni temi che ritroviamo in Fjord, in particolare le contraddizioni della nostra società, di fronte a una complessità sempre più irriducibile.

Questo tema trova in Fjord la sua apoteosi.

Tutto comincia con il trasferimento della famiglia Gheorghiu, formata dal capofamiglia Mihai (Sebastian Stan), dalla moglie Lisbet (Renate Reinsve) e dai cinque figli, dalla Romania a un paesino norvegese incastonato in un fiordo da cui originariamente proviene Lisbet. I Gheorghiu sono una famiglia di fede evangelista e sono molto devoti, e trovano subito accoglienza nella locale comunità evangelica. Tutto intorno però si muove un mondo che è molto lontano dai loro valori e che si muove nell’alveo di un approccio laico e progressista.

L’incontro tra questi due mondi, come spesso accade nei film di Mungiu, è destinato alla deflagrazione che accade quando un’insegnante nota dei lividi sul corpo della figlia adolescente Elia e, applicando alla lettera la prassi prevista dalle regole norvegesi, chiama in causa l’ufficio per la Tutela dei minori. Viene così avviata un’indagine che fa confrontare e scontrare due visioni del mondo.

Il fatto è che Mungiu spariglia le carte e non ci fa sedere comodamente sulle nostre convinzioni mettendoci di fronte a una realtà semplice, bensì ci chiama attivamente a metterci in discussione. Ci piacerebbe tantissimo dire chi ha ragione e chi ha torto, ma la sceneggiatura sta attentissima a muoversi su un crinale sottile e a non sbilanciarsi mai completamente né da una parte né dall’altra, cosicché per tutto il film di volta in volta, di fronte alle riflessioni dei protagonisti, ci troveremo a essere d’accordo con l’uno o l’altro indipendentemente dalla parte che rappresentano, e allo stesso modo non apprezzeremo comportamenti su entrambi i fronti.

Alla fine risulteranno odiose entrambe le rigidità e le rispettive intolleranze, e il disagio della situazione diventerà quella dello spettatore. Ad alleviare questo disagio sarà – e solo in parte – la figura di Mia, la vicina di casa che farà da avvocata alla coppia, che – come dice in un momento del processo – in qualunque situazione difenderebbe sempre le ragioni della minoranza. Ma il vero elemento capace di spaccare la contrapposizione frontale sarà l’amicizia tra le due ragazzine adolescenti, Noora, la figlia di Mia, ragazza ribelle ed educata con “metodi moderni”, e Elia, figlia educata da Mihai e Lisbet nel rispetto dei valori evangelici. La loro diversità, in un’età di costruzione della personalità e in cui le sovrastrutture ideologiche non sono ancora sedimentate, solo nel loro caso non si traduce in uno scontro e in un irrigidimento, bensì modella entrambe in direzioni se vogliamo impreviste e imprevedibili, e sicuramente arricchenti.

Non so se sono io che voglio leggere una piccolissima speranza nel finale – ossia che per fortuna i figli indipendentemente dal modello educativo possono e spesso vanno in altre direzioni – oppure è anche questa solo un’illusione.

Voto: 4/5



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Minotaur

Vincitore del Premio Speciale della Giuria all’ultimo festival di Cannes, Minotaur di Andrey Zvyagintsev arriva dopo quasi dieci anni dal suo ultimo film, Loveless. Questo nuovo film si presenta esplicitamente come il remake del film La femme infidèle di Claude Chabrol, ed effettivamente ne ripropone l’intreccio centrale.

Gleb (Dmitrij Mazurov) e Galina (Iris Lebedeva) sono una coppia altoborghese, con un figlio. Vivono in una bellissima villa immersa nei boschi e non lontano da un lago. Gleb è il dirigente di una grossa azienda che deve fronteggiare da un lato la fuga di un numero crescente di dipendenti che cercano di evitare la coscrizione obbligatoria, dall’altro la richiesta del Governo centrale di proporre una lista di 14 persone da mandare al fronte. In questo frangente già molto delicato, il rapporto tra Gleb e Galina è in crisi e Gleb scopre – grazie a un investigatore privato – che la moglie ha un amante.

Nel film di Zvyagintsev, com’è proprio di tutta la sua filmografia e qui forse in maniera ancora più incisiva, il dramma individuale si innesta nel dramma collettivo, ed evidentemente il Minotauro del titolo è quello Stato Leviatano (non a caso titolo di un altro suo film) a cui la società paga come tributo il sacrificio dei cittadini mandati in guerra.

In un certo senso, almeno per come l’ho interpretato io, lo stesso Gleb finisce per diventare un simbolo della Russia contemporanea, benestante ma che attraversa una profonda crisi, e che di fronte al tradimento di chi dovrebbe amarla, anziché comprenderne le ragioni e intervenire nel merito, sposta la propria rabbia sul nemico e con questa azione estrema punta a rinsaldare il rapporto, forse anche – almeno in parte – riuscendoci.

Il carattere politico del film è già esplicito nei primi minuti, ma si fa via via più evidente man mano che la narrazione procede e il regista dissemina qua e là elementi visivi e indizi sempre più numerosi ed evidenti.

Il rinsaldarsi della dimensione privata e di quella collettiva, e del Gleb persona e di quello simbolo di un’intera nazione si realizza nelle battute finali quando risulta evidente che lo stato Minotauro chiede, ma dà anche, in particolare alla parte più ricca di questa società, in quanto in cambio del sacrificio umano è in grado di garantire protezione. E di fronte alla propria salvezza personale qualunque scrupolo morale sembra fatalmente dissolversi.

Un affresco della Russia contemporanea senza semplificazioni, ma anche senza sconti per nessuno.

Voto: 3,5/5



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Lady

Il film della regista nigeriana Olive Nwosu racconta la storia di Lady, una giovane donna che vive nella baraccopoli di Lagos e che si mantiene facendo la tassista, una delle pochissime donne nella professione. Ma Lady ha imparato fin da bambina a cavarsela e sta mettendo da parte i soldi per trasferirsi a Freetown in Sierra Leone. La sua routine viene sconvolta dal ricomparire di Pinky, un’amica di infanzia che non vede da tempo, che ora fa la prostituta. A Lady viene offerto di fare da autista a un gruppo di sex workers, tra cui la stessa Pinky, guadagnando rapidamente molti soldi. Questa immersione nella vita notturna avrà sviluppi inattesi e cambierà le prospettive della protagonista.

Purtroppo devo dire che il film non mi è piaciuto: l’ho trovato ingenuo e semplicistico, mal recitato e nel complesso poco credibile a livello narrativo, sebbene sia stata comunque molto interessante questa immersione nelle strade e nella vita di Lagos.

Mi spiace sempre esprimermi in maniera così netta su qualcosa, tanto più se si tratta di un prodotto cinematografico che arriva da un paese poco presente nel panorama internazionale, e temo anche sempre che queste riflessioni siano viste come un’espressione di superiorità culturale. So però che non è così, e che rispetto ai film (come rispetto a molte altre cose) le mie valutazioni sono piuttosto libere da queste sovrastrutture. Spero che sia così anche in questo caso.

Voto: 2,5/5

Festa del cinema di Roma, 13-25 ottobre 2026 (Prima parte)

Mai come quest’anno, forse perché sapevo già di non dovermi coordinare con nessuno, la programmazione dei film da vedere alla festa del cinema e l’acquisto dei biglietti sono stati tanto facili e veloci. I prezzi continuano ad aumentare, la commissione per l’acquisto di ogni singolo biglietto rimane alta e incide parecchio, e io continuo a scegliere i film in programmazione all’Auditorium, escludendo quelli il cui biglietto costa 30 euro che mi pare davvero un furto.

Alla fine vado al cinema quasi tutti i giorni di programmazione e vedo parecchi film, e la mia valutazione anche per quest’anno rimane positiva, sebbene prima o poi dovrò decidermi a partecipare a uno dei festival cinematografici più grandi, come ad esempio Venezia.

[Vedi anche la seconda e la terza parte delle recensioni dei film della Festa del cinema 2026].

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Ceniza en la boca

Il primo film della mia festa del cinema di quest’anno è Ceniza en la boca del regista e attore messicano Diego Luna, che dice di aver amato il romanzo di Brenda Navarro da cui è tratta la sceneggiatura e di averlo vissuto in maniera molto personale.

In sala sono presenti il regista (e la sua compagna) nonché la bravissima protagonista del film, Anna Díaz, che si prendono il meritato applauso al termine della proiezione.

Ceniza en la boca è la storia di Lucila (Anna Díaz), la quale a quattordici anni vive, insieme a suo fratello più piccolo, Diego, l’abbandono della madre che scappa dalla casa dei genitori e si trasferisce in Spagna per costruire una vita diversa. Anni dopo, ritroviamo Lucila e Diego, parecchio più grandi, che vivono a Madrid con la madre e la compagna di lei, ma mal sopportano questa convivenza che porta la tara dell’abbandono consumato tanti anni prima. Lucila reagirà fuggendo a sua volta, verso Barcellona, per cercare – invero molto faticosamente – maggiore autonomia, mentre Diego farà i conti con un contesto al quale non si sente appartenere e che alla fine lo schiaccerà. Il ritorno in Messico di Lucila, nella casa dove ancora vivono i nonni, costringerà la ragazza a fare i conti con il senso di sradicamento, la difficoltà di sentirsi appartenere a qualunque luogo, e la perdita dell’unico vero e incrollabile affetto della sua vita, il fratello Diego.

La storia di Lucila – e per estensione di tutta la sua famiglia – è una classica storia di emigrazione determinata dall’impossibilità di vivere in un luogo difficile a livello soggettivo e oggettivo e dalla ricerca di una vita migliore, che poi si rivelerà altrettanto difficile e faticosa. Lo sradicamento è un dato comune a chi sceglie di andare via dal luogo in cui è nato, ma chi lo fa senza avere adeguati mezzi economici e possibilità si ritrova ovunque – come dice Diego in una scena del film – a tentare di sopravvivere e in molti casi a essere mal sopportato e rifiutato.

Il film di Diego Luna è formalmente ben fatto, e gli attori, soprattutto i due fratelli, sono molto bravi. Ho apprezzato anche la volontà di non dividere il mondo in buoni e cattivi, sottolineando le tante sfumature delle persone e delle relazioni; forse in alcuni passaggi avrei voluto più profondità, ma nel complesso mi è parso un film riuscito.

Voto: 3,5/5



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Fruit gathering

Fruit gathering è l’opera prima del regista birmano Aung Phyoe, e racconta la storia di San Kyi, una giovane operaia tessile che lavora in un capannone industriale alla periferia di Yangon, e di Theint Theint Oo, una sua collega con cui si crea un rapporto di solidarietà, poi di amicizia e infine di amore.

Le due ragazze però vivono in una società che non solo non prevede questa strada, ma che le mette di fronte alla prospettiva di un matrimonio combinato proposto dalle loro famiglie per garantire loro una futura sicurezza economica. Mentre San Kyi sembra non avere nessuna intenzione di piegarsi a questo destino già scritto e cerca un suo posto nel mondo, anche tentando di ritornare al villaggio rurale dal quale proviene – ma che il progresso sta praticamente spazzando via -, Theint Theint Oo sembra più preoccupata della propria sopravvivenza futura che della possibilità di rimanere fedele ai propri sentimenti.

In fondo è per vedere film come questi che si va ai festival del cinema, film che difficilmente troveranno la strada delle sale, ma che ci permettono di conoscere la cinematografia proveniente da paesi lontani e, attraverso di essa, di prendere contatto con la cultura e la società che rappresentano. Al contempo, vedere film così distanti dal nostro mondo e anche così poco presenti nella nostra esperienza cinematografica non è facile, innanzitutto perché bisogna fare i conti con un modo di narrare e di fare racconto visivo che non sempre ci risuona, in secondo luogo perché tanti riferimenti alla realtà di questi paesi ci sfuggono e, a meno che non ci vengano spiegati in maniera didascalica, risultano in parte stranianti.

È forse per questo che io ho trovato il film di Aung Phyoe molto faticoso e non sono riuscita praticamente mai a entrare in empatia con le protagoniste, che ho trovato quasi respingenti. Nondimeno il contesto del Myanmar – le grandi fabbriche, l’abbandono delle campagne, i tentativi di andare via, il patriarcato, la religione, l’assenza di diritti, il controllo governativo – mi è arrivato e mi è sembrato molto interessante, anche se, lavorando il regista per sottrazione, forse inevitabilmente, non tutto mi è risultato comprensibile.

Un film che ho sofferto, ma che sono comunque contenta di aver visto.

Voto: 2,5/5



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Eurotrash

Il film di Frauke Finsterwalder è tratto dall’omonimo libro di Christian Kracht, e racconta la storia di uno scrittore, Philip (Alexander Fehling), che – dopo aver incontrato per l’ultima volta suo padre e aver partecipato al suo funerale - torna in Svizzera dove abita sua madre, Helene (Barbara Sukowa), da sempre dipendente da alcol e psicofarmaci. Infatti, a casa della madre non trova nessuno perché lei è ricoverata in una clinica psichiatrica. Quando la madre gli chiede di portarla via dalla clinica, dopo qualche titubanza, Philip acconsente a questa idea folle e inizia così un viaggio altrettanto folle che attraversa città e valli della Svizzera, con il taxi guidato da Liliyel (Luna Wedler). Sarà l’occasione per madre e figlio di confrontarsi con i fantasmi del passato e di cercare una qualche forma di catarsi.

Detto così Eurotrash sembra quasi un film normale, ma in realtà la regista Finsterwalder sceglie – forse sulla scia del romanzo che però non ho letto – di raccontare questa storia con un registro e delle atmosfere che spaziano tra il grottesco, l’horror e lo splatter, e con dialoghi che si mantengono sempre sopra le righe, supportati dall’eccellente interpretazione dei due attori, in particolare Barbara Sukowa.

Dentro questo affresco a dir poco bizzarro passa una satira sociale tagliente che si rivolge in particolare alla società svizzera e alla contraddizione tra la sua immagine idilliaca e gli orrori che si nascondono sotto la superficie, contraddizione che il film rende palese e in qualche modo esaspera.

Eurotrash inquieta, fa ridere e fa riflettere al contempo, e già questo mi pare un ottimo risultato.

Voto: 3,5/5



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Tangles

Tangles è il film di animazione in bianco e nero diretto da Leah Nelson, e scritto insieme a Trev Renney e Sarah Leavitt, autrice del graphic novel da cui il film è tratto, Tangles: A Story About Alzheimer's, My Mother and Me.

Com’è più chiaro dal sottotitolo del fumetto, si tratta di una storia autobiografica che racconta un periodo della vita di Sarah, giovane lesbica che sta muovendo i primi passi nel mondo dell’illustrazione, la cui routine, tra lavoro nella redazione di una rivista queer a San Francisco e la storia d’amore con Donimo, viene sconvolta dalla scoperta dell’Alzheimer della madre. Iniziano così anni complicati, in cui, mentre la madre diventa sempre più bisognosa di supporto, gli equilibri familiari vengono sconvolti e Sarah è costretta a un continuo andirivieni tra San Francisco, dove vive, e il Maine, dove vivono i suoi genitori, fino alla decisione di trasferirsi per un periodo a casa dei genitori per stare vicina alla madre.

Si tratta di una storia già raccontata mille volte e con mille forme d’arte diverse, ed è in fondo sempre uguale nella sostanza, come sa bene chi ha attraversato questo tipo di situazione.

Però il film di Leah Nelson – e a questo punto ipotizzo anche il graphic novel, che però purtroppo non è ancora stato pubblicato in Italia – riesce ad essere sorprendente per quel mix di queerness, umorismo, empatia, riflessione che mi è parso davvero unico. Le sequenze dell’aereo che fa avanti e indietro tra San Francisco e il Maine con la voce degli assistenti di volo che, con il tono in cui di solito danno le comunicazioni ai passeggeri, commentano quanto accade a Sarah sono a dir poco esilaranti, così come ho trovato dirompenti le scene in cui si passa dal disegno realistico a un tratto da fumetto di genere per raccontare i passaggi più onirici o quelli che avvengono nella mente dei personaggi.

Io ho pianto e riso contemporaneamente dal primo all’ultimo minuto del film, ed è una cosa che mi accade davvero raramente. Certamente ha contribuito il fatto di aver vissuto una situazione in parte simile, però non è solo quello.

Tangles è un film di animazione fatto benissimo e che racconta i sentimenti e i punti di vista di ognuno in maniera sottile e rispettosa, sentendo addirittura il bisogno in premessa di ricordare che esso è il frutto dei ricordi della protagonista, e che altri potrebbero anche ricordare diversamente alcune cose. Perché l’esperienza non può che essere personale, e soprattutto in situazioni emotivamente complesse come queste ognuno le attraversa portando con sé tutto il proprio bagaglio di vita ed emotivo.

Io l’ho visceralmente amato.

Voto: 4,5/5

Non mi dimenticare / Alix Garin

Non mi dimenticare / Alix Garin. Milano: Bao Publishing, 2024.

Negli ultimi mesi la mia lettura di graphic novel è diminuita significativamente; come in tutto – almeno per me - quando frequento troppo qualcosa arriva un momento di stanchezza, che va attraversato per poter poi ritrovare un qualche entusiasmo.

Perché la miccia si riaccenda, è anche fondamentale che la ripresa sia fortunata. E questo è quanto mi è accaduto nel leggere Non mi dimenticare della fumettista belga Alix Garin.

Non mi dimenticare è la storia di Clémence e di sua nonna, che vive in una casa di riposo perché è malata di Alzheimer. Quando per l’ennesima volta la nonna si allontana dalla struttura per andare a casa dei suoi genitori e il personale informa i familiari che sarà necessario un trattamento farmacologico per impedire che situazioni come questa si ripetano, Clémence decide di fare una follia, ossia “rapire” la nonna e accompagnarla alla casa dei suoi genitori.

Il racconto di questo “on the road” è della stessa Clémence attraverso un lungo flashback che è di fatto la sua deposizione presso una stazione di polizia.

Quello di Clémence e di sua nonna è un viaggio sentimentale che cancella la memoria, ma a tratti anche la restituisce, ed è anche l’occasione per riflettere sul presente e sulle proprie scelte. Il confronto con questa donna tanto amata e che tanto si è presa cura di lei da bambina, nel momento in cui la sua mente vacilla ma ancora restituisce frammenti della propria vita è per Clémence uno straordinario momento di crescita, la possibilità di rileggere sé stessa, la propria identità, i rapporti con la propria madre, e infine di interrogarsi sul senso dell’esistenza di fronte al tempo che passa inesorabile.

Come sa chi legge questo blog, il mio rapporto con il tempo che passa è molto delicato, complesso, sfaccettato. In questa storia, tanto più avendo vissuto in prima persona con mia madre una situazione in parte simile a quella della nonna di Clémence, ho ritrovato tanti sentimenti vissuti, la tenerezza, la paura, la disperazione, la fatica, l’amore, e quell’inevitabile necessità - di fronte allo svanire di chi ci sta intorno - di fermarsi a riconoscere quello che ha valore, quello che sentiamo, e lasciargli spazio, il più possibile.

Disegni, stile e colori tipici della scuola del fumetto d’oltralpe (in questo caso belga) – mi ha ricordato un po’ il tratto di Lafebre – che per me risultano fortemente empatici e dunque mi arrivano dritti al cuore.

Consigliato.

Voto: 4/5

Serpenti

Paolo Marra (un bravissimo Leonardo Lidi) ha ucciso sua moglie, non si sa bene perché. Dopo tre giorni dall’omicidio, i sensi di colpa lo assalgono e decide di andare a costituirsi.

Qui inizia la sua surreale avventura che lo porta a incontrare una serie di persone che reagiscono alla sua confessione in maniera inaspettata, sorprendente e folle.

Il primo è il piantone della portineria della questura (Daniele Parisi) che, senza scomporsi minimamente per la confessione dell'uomo, lo avvia a una procedura amministrativa che appare incongrua fin dal principio.

Successivamente Marra viene preso in consegna da un poliziotto (Alessandro Borghi) che sembra più interessato a risolvere il mal di testa che lo attanaglia che non a gestire il caso dell'assassinio, in una esilarante escalation che culmina nella classificazione delle chiavi di casa dell'omicida.

Il terzo uomo con cui Marra si interfaccia è il giovane avvocato consigliato dal poliziotto (un Pietro Castellitto particolarmente in forma), molto gentile e accogliente, al punto da voler convincere l'omicida a liberarsi dei sensi di colpa e a proclamarsi innocente.

Infine, Marra incontra - nella sala di attesa dove viene accompagnato prima di incontrare il commissario - una donna (Valeria Golino) la quale lo convince prima a farsi leggere le carte e poi ad allontanarsi dal commissariato alla ricerca del suo coetaneo che ai tempi della scuola lo aveva bullizzato.

Insieme al regista Roberto De Paolis Maino, dietro questa storia, a livello di soggetto e di sceneggiatura ci sono i fratelli Damiano e Fabio D'Innocenzo, che confermano il loro talento di sceneggiatori, probabilmente superiore a quello di registi.

Restando nel loro territorio privilegiato, quello della black comedy, i D'Innocenzo usano il tono del grottesco per mettere in scena quei mali del nostro paese che, come da citazione attribuita a Flaiano in esergo, sono l'espressione di quanto la situazione politica italiana sia grave, ma non seria.

Sì, perché nel film di De Paolis Maino si ride a più riprese, a volte di gusto, ma lo si fa nella consapevolezza dell'assurdità e dell'orrore che accade davanti ai nostri occhi. Se ci si pensa, ciascuno dei personaggi che Paolo Marra incontra incarna uno dei mali del nostro tempo e della nostra società, che forse sono in fondo universali e senza tempo: il piantone è l'emblema del peggior tipo di impiegato statale, indifferente e burocratizzato, il poliziotto è egocentrico e un po' stupido, l'avvocato è l'assenza totale di qualunque principio morale e di qualunque scrupolo, la donna delle carte è una manipolatrice, probabilmente in cattiva fede.

Al centro un uomo che ha fatto un'azione orribile e che parte sapendo di essere totalmente colpevole e non giustificabile, ma che dopo questi incontri si riscopre nuovamente carnefice e non consapevole delle proprie azioni.

Il tutto in un'atmosfera sospesa, surreale, in cui anche i luoghi sono l'amplificazione di questo senso di straniamento, come fossero i labirinti di una mente sempre più sconvolta e meno lucida.

Un'operazione cinematografica decisamente interessante ed originale che, nel panorama di un cinema italiano che tende a essere stereotipato e un po' stantio, risulta decisamente eccentrica e interessante, nonostante qualche virtuosismo registico forse un po' troppo insistito.

Voto: 3,5/5