Cheese / Zuzu

Cheese / Zuzu. Roma: Coconino Press - Fandango, 2019.

Dopo aver letto, ormai diversi anni fa Giorni felici, il fumetto con cui Zuzu (la giovane fumettista Giulia Spagnulo) si è affacciata con forza alla ribalta della scena nazionale, ritorno sulla sua produzione andando indietro nel tempo.

Così prima di leggere Ragazzo (il suo ultimo lavoro), prendo in mano Cheese, il graphic novel con cui è stata scoperta da Gipi e ha trovato spazio nella programmazione editoriale di Coconino.

Cheese è un fumetto in bianco e nero, dal tratto nervoso, tra il grottesco e il caricaturale, che effettivamente ricorda alcuni dei lavori di Gipi. La storia è quella di tre amici, la stessa Zuzu che è l’io narrante, Dario e Riccardo. Il racconto è profondamente legato all’esperienza personale, e molto caratterizzato rispetto all’età dei protagonisti (giovani adulti) e alla generazione di appartenenza (Millennials).

I tre amici trascorrono le loro giornate insieme mettendo in comune pensieri, preoccupazioni, fragilità, e soprattutto noia. La loro amicizia è in un certo senso l’argine alle derive individuali, che si manifestano sotto forma di anoressia, di depressione, di mancanza di motivazioni.

Il diversivo a cui Zuzu, Riccardo e Dario si attaccheranno per uscire da questa routine tenera ma decadente è un viaggio verso Nord, a Brentonico, a casa della zia di uno di loro, dove si tiene una gara che ha come protagonista un’enorme forma di formaggio.

Se già Giorni felici aveva sollevato in me qualche perplessità rispetto al carattere un po’ ombelicale delle storie di Zuzu e del modo di raccontarle, con Cheese – forse anche perché si tratta di un lavoro meno maturo – questa sensazione è ancora più forte.

Certo, va detto che questa è spesso una caratteristica del fumetto e lo è moltissimo per la generazione dei Millennials, anche nella letteratura in generale e in altre forme d’arte. È indubbio che Zuzu fin da questo suo primo lavoro mostra una capacità non scontata di rivelare, dietro una storia apparentemente molto personale, una riflessione più generale ed emozioni più condivise. Il fatto è che la distanza generazionale non mi permette di apprezzarle a pieno, tanto più che il tratto di Zuzu in questo lavoro non riesco a non trovarlo un po’ disturbante e faticoso.

Insomma, aspetto di leggere Ragazzo per capire in che direzione sta andando questa artista e se questa direzione a un certo punto diventerà davvero compatibile con la mia sensibilità.

Voto: 3/5

Tutti primi sul traguardo del mio cuore / Fabio Genovesi

Tutti primi sul traguardo del mio cuore / Fabio Genovesi. Milano: Mondadori, 2013.

Con questo post inauguro un approccio in parte nuovo per il mio blog. Sarà l’età, sarà il minore tempo a disposizione, saranno le molte, forse troppe cose che faccio nel tempo libero, ma a volte non ci sto più dietro e rischio che, per inseguire tutto, mi passi la voglia di scrivere i post che ancora voglio scrivere.

Avevo pensato inizialmente di fare una selezione dei contenuti su cui scrivere i miei post, ma alla fine per me il blog è anche un archivio di memorie a cui torno tutte le volte che voglio ricordarmi di quella particolare cosa che ho fatto, letto, ascoltato, visto.

E dunque ho deciso che continuerò a dedicare un post a tutto quello che attraversa la mia vita, ma in alcuni casi ne farò semplicemente una segnalazione.

E comincio dunque a mettere in atto questa strategia con il libro di Fabio Genovesi, Tutti primi sul traguardo del mio cuore.

Genovesi lo conosco e apprezzo da tempo, ma non leggevo suoi libri da un po’. Questo è un libro che ha oltre 10 anni ed è il resoconto del giro d’Italia che Genovesi ha seguito nel 2013 (l’anno della vittoria di Vincenzo Nibali) come inviato del Corriere della sera. Per Genovesi, appassionatissimo di ciclismo, un sogno che si realizzava, per noi lettori (anche coloro ai quali il ciclismo non interessa affatto) una lettura gustosa, ricca e divertente, come sempre Genovesi sa fare.

Tra aneddoti personali, racconti di storie del passato e del presente, considerazioni sulle tappe del giro e sui luoghi che attraversa, si corre veloci nelle pagine del libro e quasi si è dispiaciuti quando si arriva all’ultima.

Voto: 3/5

Wild horse nine

Wild horse nine è il nuovo film di Martin McDonagh per il quale John Malkovich ha vinto la Coppa Volpi a Venezia e che forse avrebbe meritato di vincere il Leone d'oro.

Personalmente ho colpevolmente perso i primi film del regista britannico (In Bruges e 7 psicopatici), ma da Tre manifesti a Ebbing in poi ha un posto sempre più saldo nel mio cuore di cinefila.

Questi ultimi tre film mi sono sembrati un crescendo cinematografico nel quale tutti gli elementi a poco a poco stanno andando magicamente a posto fino a rasentare la perfezione.

Del resto, è evidente che quello di McDonagh è un lavoro di cesello, iniziato già durante la fase teatrale della sua carriera (che mi piacerebbe approfondire: quest'anno potrò vedere intanto La reginetta di Leenane).

Questo lavoro di cesello è soprattutto un lavoro di scrittura che McDonagh costruisce intorno ad alcuni elementi ricorrenti della sua visione del mondo, senza per questo ripetersi stancamente.

C'è quasi sempre un'amicizia maschile al centro dei suoi film - qui è quella tra Chris (John Malkovich) e Lee (Sam Rockwell) -, c'è spesso un'ambientazione remota o comunque inusuale - qui è l'isola di Pasqua -, c'è spesso una morte incombente per motivi naturali oppure per un qualche regolamento di conti - qui Chris è un malato terminale di cancro.

Questi elementi diventano poi, in ciascuna storia, l'occasione di parlare di rapporti umani sia nella loro dimensione privata sia in quella pubblica.

La grande novità di Wild horse nine consiste nel fatto che questa dimensione pubblica va ben al di là dei protagonisti e della comunità di riferimento (come accadeva in Tre manifesti a Ebbing e ne Gli spiriti dell'isola) perché incontra la sfera collettiva e la grande storia.

Siamo infatti nel 1973 subito dopo l'elezione di Salvador Allende e alla vigilia del colpo di stato che lo ucciderà e che instaurerà la brutale dittatura di Pinochet.

Chris e Lee sono due agenti della CIA, e il primo in particolare ha avuto un ruolo importante in molte azioni di rilievo dell'agenzia, dal Guatemala al Congo, dal Vietnam all'assassinio di Kennedy.

La "vacanza" all'isola di Pasqua è il modo di Lee per esaudire l'ultimo desiderio di Chris (vedere le grandi teste), ma il loro capo MJ (un orribile Steve Buscemi) li tiene d'occhio perché Chris custodisce segreti importanti che non devono diventare pubblici e vuole che siano seppelliti insieme a lui.

Di fronte alla vita che scivola via insieme alla propria memoria e in quest'isola abitata da mandrie di cavalli selvaggi Chris si trova a fare i conti con quello che è stato, a livello di vita personale e professionale, e con quello che è, e prova a capire quello che davvero ha valore.

Ma il film di McDonagh - come sa chi conosce questo autore - non è in alcun modo un drammone lacrimevole e filosofeggiante, bensì gioca su un mix di generi e di registri, che per le circa due ore di proiezione ci fa passare dalle risate alla tensione alla commozione e di nuovo alle risate senza soluzione di continuità.

E in questo spettacolo cinematografico in cui attori, musica e sceneggiatura si integrano perfettamente, ci si trova a pensare al mondo nel quale viviamo e anche al nostro posto nel mondo, nonostante il film sia ambientato 50 anni fa.

È un film politico, il più politico di quelli di McDonagh, ma forse anche o proprio per questo è un film di un cinismo disperato e di un pessimismo senza soluzione, in cui brilla però una piccola luce. Se il destino del mondo e dei popoli è quasi inevitabilmente tragico e il futuro della democrazia sempre incerto, esiste sempre la possibilità dell'autodeterminazione individuale ed è alle scelte che facciamo come individui che risponderemo di fronte a noi stessi prima di morire.

Un grande film.

Voto: 4/5

Ardesia / Ruska Jorjoliani

Ardesia / Ruska Jorjoliani. Trieste-Roma: Italo Svevo, 2025.

La lettura di Ardesia, titolo di cui ho perso memoria di come ne ero venuta a conoscenza (😉 ), rientra in questo mio percorso di apertura a una letteratura che arriva da posti che non siano l’Italia o altri paesi strettamente occidentali, per andare alla scoperta di nuovi mondi e di nuove culture.

In realtà, in questo caso, siamo in una situazione di ponte tra due mondi, perché Ruska Jorjoliani, pur essendo nata nel 1985 a Mestia in Georgia, vive dal 2007 in Italia, a Palermo, e scrive i suoi romanzi in italiano (pur svolgendo anche un’attività di traduttrice dal georgiano).

Con Ardesia la Jorjoliani racconta un episodio particolare della sua vita: un viaggio nel suo paese natìo, in Georgia, insieme a due amici italiani, il cui evento centrale è il dissotterramento dei resti del bisnonno dall’appezzamento di terra della casa di famiglia su cui sono previsti dei lavori.

Insieme allo zio e al cugino, e poi con l’intervento di vicini di casa e passanti, a poco a poco le ossa del bisnonno vengono tutte rinvenute, compreso il teschio e la mandibola, nonché le ossa probabilmente di un bambino che non si sa chi sia. Nel tempo in cui avviene questo dissotterramento emergono dettagli ed elementi che gettano una fosca luce sulle vicende di cui il bisnonno e in generale la famiglia di origine di Ruska è stata protagonista, senza però che si faccia chiarezza fino in fondo.

Questo viaggio alle origini si concluderà con la traslazione delle ossa al cimitero per dare al bisnonno una giusta sepoltura, sebbene la chiesa locale impedisca di mettere una lapide.

È strano questo memoir della Jorjoliani, forse mi aspettavo qualcosa di diverso. L’ho trovato interessante, ma mi è sembrato più un abbozzo di libro che un libro davvero compiuto.

Ne ho apprezzato però stile e scrittura, quindi non escludo in futuro di leggere altro della stessa autrice.

Voto: 3/5

Escaped alone / di Caryl Churchill. Teatro Valle, 31 ottobre 2026

Ha riaperto il Teatro Valle, e questa è una bellissima notizia, checché ne dica qualcuno. La stagione teatrale che propone è, almeno sulla carta, molto interessante, e questa è una seconda bellissima notizia.

Io inauguro questa stagione con Escaped alone, il lavoro di Caryl Churchill (la drammaturga inglese di cui avevo visto a teatro qualche anno fa Settimo cielo e poi Top girls) che è stato rappresentato per la prima volta nel 2016, quindi ha già 10 anni ma resta un lavoro molto contemporaneo.

La storia è quella di tre donne, Sally, Vi e Lena (tre amiche?), che si incontrano in un giardino a prendere il thè del pomeriggio. Da una porta aperta arriva e si unisce a loro Jarrett.

Le quattro donne, avanti con gli anni, parlano del più e del meno (nipoti, serie tv, aneddoti), spesso sovrapponendosi nei discorsi oppure alternandosi in maniera discontinua e non dialogica. Attraverso queste conversazioni a poco a poco vengono fuori i traumi e le fragilità di ciascuna: di una veniamo a sapere che ha ucciso il marito che le usava violenza e si è fatta sei anni di carcere, di un’altra capiamo che non esce mai di casa e che forse soffre di una forma di depressione, di un’altra ancora che ha dei comportamenti un po’ ossessivi/psicotici, in particolare legati al tema “gatti”. L’ultima arrivata, Jarrett, di tanto in tanto si isola dalla conversazione e si perde nei propri pensieri apocalittici, una sorta di Cassandra che illustra scenari futuri dell’umanità fatti di alluvioni, pandemie, disastri climatici, guerre e distopie varie, sempre meno improbabili agli occhi dell’umanità di oggi.

Le quattro donne si muovono in una scenografia che richiama un giardino e si spostano, a seconda dei momenti della narrazione, dalle sedie intorno al tavolino a quelle a sdraio. Dietro di loro (a vista dello spettatore) un grande schermo che ricorda i grandi cartelloni pubblicitari nelle grandi strade americane, dove a più riprese vengono proiettate pubblicità – anche queste futuribili, ma neanche troppo – che, in modo anch’esso distopico, ci proiettano in futuri di città avveniristiche e vite che durano molto oltre i limiti umani.

A mettere in scena il testo della Churchill è la compagnia lacasadargilla (già incontrata ne Il ministero della solitudine) per la regia di Lisa Ferlazzo Natoli e Alessandro Ferroni (le interpreti sono invece Caterina Carpio, Tania Garribba, Arianna Gaudio e Alice Palazzi).

Lo spettacolo punta moltissimo sul risultato prodotto dal sommarsi delle parole e dei discorsi delle donne, inframmezzati dalle profezie di Jarrett, creando un effetto quasi cantilenante e ipnotico, che a dire il vero mi ha ricordato parecchio lo spettacolo precedente de lacasadargilla che avevo visto e che forse era l’aspetto che mi era piaciuto di meno.

Qui per fortuna c’è il testo della Churchill a tenere in piedi il tutto, con quell’alone di mistero che è tipico del suo teatro. Non a caso all’uscita dallo spettacolo chi era con me mi propone letture diverse e tutte interessanti: qualcuna dice che forse il giardino è quello di una casa di cura dove queste donne si trovano per le loro turbe mentali, e Jarrett è semplicemente l’ultima ricoverata (non implausibile); qualcun’altra fa notare la differenza tra le tre donne che parlano spesso dei loro traumi del passato che ne condizionano il presente, mentre Jarrett sposta l’attenzione e l’accento sui problemi e le preoccupazioni relativi al futuro (anche questo molto interessante).

In conclusione, non sono sicurissima che lo spettacolo sia del tutto convincente, però il testo fa certamente chiacchierare e riflettere. E non è poco.

Voto: 3/5

Una gita a Torino: il museo egizio e la mostra di Fan Ho

L’ultimo scampolo di vacanze dell’estate 2026 (anche se in realtà siamo già entrati nell’autunno) lo dedichiamo a una gita a Torino, città da cui mancavo da tanto tempo e che mi piace molto.

Le due scuse per la gita torinese sono andare a visitare il Museo Egizio, che né io né S. abbiamo mai visto dopo il nuovo allestimento, e vedere la mostra del fotografo di Hong Kong Fan Ho in corso a Palazzo Falletti di Barolo. E ovviamente nel frattempo girare un po’ la città, andare a mangiare in posti buoni e incontrare amici torinesi o che vivono a Torino.

Non lo sapevamo – anche se l’avremmo dovuto immaginare quando abbiamo fatto fatica a prenotare i ristoranti per le nostre cene perché era tutto sold out – che, nel weekend programmato, Torino ospita Terra madre, il Salone del gusto che invade tutto il centro della città con bancarelle che propongono il meglio dei prodotti italiani, suddivisi per regione, ma anche una rappresentanza dei prodotti e della cucina internazionale di varia provenienza.

Che il nostro weekend è quello di Terra madre lo scopriamo subito quando arriviamo il venerdì e, dopo esserci sistemate nel nostro b&b a San Salvario, facciamo una passeggiata in centro passando per il lungo Po e vediamo che piazza Vittorio Veneto è chiusa al traffico e piena di gazebo bianchi.

Alla fine Terra Madre la snobberemo parecchio, forse sbagliando, ma faremo un sacco di altre cose interessanti.

Partiamo dal Museo Egizio. Arriviamo già con il nostro biglietto per la visita guidata, comprato diverso tempo prima. La nostra visita guidata è prevista per le 10,40 e quando arriviamo c’è già parecchia gente nell’atrio in attesa di partire per la visita e si stanno formando i gruppi. Scopriamo che le visite guidate partono abbastanza ravvicinate, cosicché negli orari maggiormente richiesti il numero dei gruppi che si muove negli spazi del museo è parecchio elevato. Noi abbiamo una guida molto brava che riesce a modificare il percorso e la presentazione in base alla situazione, ma devo dire che soprattutto i primi due piani che visitiamo sono ai limiti della vivibilità. A parte questo, la visita è davvero incredibile: il patrimonio del Museo - come si sa - è eccezionale, e devo dire che la riorganizzazione in maniera più contemporanea, creando percorsi cronologici e di senso, certamente aiuta a capire e a fruire meglio dei contenuti.

La guida ci spiega che periodicamente quello che viene esposto cambia, perché il magazzino del museo è altrettanto grande del museo stesso, quindi tutto sommato ha senso tornarci di tanto in tanto. Credo che quello che si vede al Museo egizio di Torino è secondo solo a quello che si può vedere andando direttamente alla fonte, ossia in Egitto. La visita dura circa un’ora e mezza, molto intensa, e quando finisce la guida consiglia di andare a visitare alcune mostre più o meno temporanee, come quella dedicata alla scrittura. Noi resistiamo un’altra mezz’oretta e poi, con gli occhi pieni di questa civiltà davvero straordinaria, torniamo all’aria aperta, dove ancora si respira clima estivo.

L’altro obiettivo della nostra gita era la mostra di Fan Ho, fotografo cinese di Hong Kong, ancora poco conosciuto in Italia e che questa retrospettiva restituisce al grande pubblico. La storia personale di Fan Ho è molto interessante, perché quando aveva solo 10 anni i suoi genitori rimasero bloccati a Macao a causa dello scoppio della guerra, e dunque il piccolo rimase per alcuni anni da solo, affidato alle cure di un domestico. Iniziò a fotografare molto presto, con una macchina fotografica che gli era stata regalata e in mostra vediamo alcune delle sue prime fotografie, scattate quando era adolescente. La sua passione per la fotografia cresce col tempo e il suo stile si va via via definendo: Fan Ho è un fotografo che lavora molto con luci e ombre e con atmosfere rarefatte, inserendo le persone dentro strutture compositive di grandissima eleganza estetica. Lo stile è fin da subito molto cinematografico, e l’occhio è rivolto non tanto alla Hong Kong in espansione, quanto a quella del passato, di cui Fan Ho cerca le tracce.

Ben presto il suo amore per il cinema lo spinge ad abbandonare la fotografia e ad intraprendere la carriera cinematografica, prima come attore, e poi dietro la macchina da presa, che era ciò che voleva. Nel cinema ottiene ottimi successi, e il ritorno alla fotografia avverrà solo nell’ultima parte della sua vita.

La mostra di Palazzo Falletti di Barolo, a cura di Elisa Maupas e Sarah Van Ingelgom, si compone di cento fotografie, e consente di avvicinarsi alla sua opera e al suo modo di intendere la fotografia. A me ha colpito soprattutto la sua attenzione alla post-produzione: tagli, ombre, interventi in camera erano normali per Fan Ho, nella convinzione che la fotografia non è rappresentazione, bensì interpretazione della realtà.

Un’altra bella visita che facciamo durante la nostra permanenza a Torino è quella alla Villa della Regina. Ci arriviamo seguendo un itinerario a piedi di una vecchia guida che ci ha prestato un’amica. L’itinerario, dopo averci portato alla Chiesa di Santa Maria del Monte dei Cappuccini, da dove si gode un bellissimo panorama sulla città (peccato per la foschia che non ci permette di vedere le montagne), ci fa arrivare fino alla Villa della Regina dove siamo incerte se spingerci fino all’entrata, visto che ci è sembrato di capire da Internet che sta per chiudere. Comunque arriviamo alla biglietteria e con nostra grande sorpresa scopriamo che è un giorno di apertura serale e dunque non solo possiamo entrare ma possiamo anche goderci la visita con calma. Quindi prima ci sediamo a vedere il bel video che racconta la storia della villa, fatta costruire nel XVII secolo da Maurizio di Savoia e poi diventata residenza estiva di due regine di Sardegna. Dopo qualche anno dalla nascita del Regno d’Italia divenne Istituto Nazionale delle Figlie degli Ufficiali, dove furono formate alcune generazioni di giovani donne. Poi, a seguito dei bombardamenti durante la seconda guerra mondiale, la struttura venne abbandonata e iniziò il degrado. Solo negli anni Novanta, con la presa in gestione da parte della Soprintendenza per i Beni Artistici e Storici del Piemonte, iniziarono i lavori di recupero che permettono oggi di visitare gli spazi del piano nobile e i giardini, da cui si gode un bellissimo panorama sulla città. Una scoperta inattesa e molto gradita per noi.

E questo per quanto riguarda le attività culturali. A livello invece di soste mangerecce facciamo una cena al Ristorante Consorzio, dove per miracolo abbiamo trovato posto: cucina specializzata in quinto quarto (che noi non mangiamo), ma dove prendiamo un piatto di carne cruda (salsiccia, pollo e fassona), agnolotti e guancia brasata, tutto molto buono. La seconda sera andiamo invece a provare farinata e pizza al padellino da Padellino Factory, dove pure mangiamo bene spendendo poco.

Per le colazioni torniamo due volte da Orso, storica torrefazione e caffetteria specialty di Torino, una delle prime nel suo genere, che ci soddisfa molto, e compriamo pane, grissini e dolcetti da Ficini, la panetteria che sta lì sulla stessa strada.

Weekend intenso e per certi versi un pochino stancante, ma certamente di soddisfazione.

Taiwan travelogue. A novel / Yàng Shuāng-Zî

Taiwan travelogue. A novel / Yàng Shuāng-Zî; translated from the Mandarin Chinese by Lin King. Minneapolis: Graywolf Press, 2024.

Era tantissimo tempo che non leggevo un romanzo in inglese. In questo caso, quando avevo sentito parlare in un podcast di Taiwan travelogue, non sembrava esserci la prospettiva di una traduzione italiana in tempi rapidi e così mi sono decisa a comprare l’edizione inglese.

Quando poi recentemente il romanzo ha vinto l’International Booker Prize le sue quotazioni sono aumentate significativamente e anche i tempi della pubblicazione in italiano si sono accorciati.

Ho però deciso di portare a termine la mia sfida, che dopo le prime 30-40 pagine avevo quasi deciso di abbandonare. Quando però sono entrata nello spirito del racconto devo dire che anche la lettura in inglese mi è risultata più facile e le ultime 100 pagine sono andate via con grande rapidità.

Il romanzo di Yàng Shuāng-Zî, tradotto in inglese da Lin King, si presenta come un gioco metaletterario. La finzione costruita dalla scrittrice vuole che il testo sia quello del diario di viaggio scritto da Aoyama Chizuko, una scrittrice giapponese invitata a Taiwan per una serie di conferenze e rimasta nell’isola per circa un anno nel 1938. Aoyama ha un grande desiderio non solo di conoscere Taiwan ma anche e soprattutto di entrare con contatto con la vera cucina locale, al di fuori delle occasioni ufficiali. In questo sarà straordinariamente supportata da Ông Tshian-hóh – Ō Chizuru in lingua giapponese. La giovane si rivela una straordinaria guida, nonché una fine conoscitrice della cucina locale, e anche una splendida cuoca. Tra Aoyama e Chi-chan (come Ông Tshian-hóh viene chiamata amichevolmente dalla scrittrice) si crea un feeling molto forte e un legame che Aoyama considera una vera e propria amicizia, o addirittura un amore.

Qualcosa però interviene a rovinare il rapporto tra le due donne, cosicché a un certo punto Chi-chan sparisce e Aoyama dovrà terminare il suo anno di permanenza a Taiwan con un’altra guida, rendendosi conto solo alla fine delle dinamiche relazionali e delle sottili questioni culturali che hanno determinato la rottura. Le appendici al diario rafforzano la finzione metaletteraria raccontando come il diario sia stato pubblicato solo grazie all’intervento successivo di Ông Tshian-hóh, che ha anche inserito un’appendice per introdurre il suo punto di vista. Quando questa edizione è andata persa/esaurita è stata la figlia di Ông Tshian-hóh a curarne la prima traduzione in cinese dal giapponese. Yàng Shuāng-Zî si presenta dunque come curatrice della seconda edizione in cinese, mentre – come sappiamo – è l’autrice di tutto il meccanismo metaletterario.

Per chi come me non sa niente di Taiwan, e dei suoi rapporti storici con il Giappone da un lato e con la Cina dall’altro, non è facile districarsi nella narrazione e cogliere tutti i segnali e gli elementi necessari a comprendere il contesto. Personalmente ho fatto fatica anche a muovermi tra le questioni linguistiche e il continuo confronto tra mainlanders (i giapponesi) e islanders (i taiwanesi). Da amante della cucina orientale e giapponese ho apprezzato particolarmente le numerose descrizioni dei piatti e delle loro preparazioni, oltre che delle differenze tra versioni giapponesi e taiwanesi.

Alla fine quando il tema del colonialismo si fa più presente ed esplicito, il libro assume tratti universalmente riconoscibili e chiama in causa anche il lettore, costringendolo a interrogarsi su quanto il colonialismo sia a volte insito in noi al punto che nemmeno ce ne accorgiamo.

Una lettura decisamente particolare, non so se in italiano sarebbe stata più semplice da gestire, o alcuni elementi linguistici e culturali sarebbero comunque rimasti un po’ estranei, ma alla fine la narrazione mi ha preso e il gioco metaletterario nel complesso mi ha divertita e convinta.

Voto: 3,5/5

Fatherland

A 8 anni da Cold war, Paweł Pawlikowski torna nella Germania postbellica e divisa del 1949 con una storia meno personale, ma altrettanto sentita.

Il grande scrittore Thomas Mann (Hanns Zischler), esiliato e ormai residente negli Stati Uniti, decide di tornare in Germania, accompagnato dalla figlia Erika (Sandra Hüller), per ritirare due premi che gli sono stati conferiti: uno a Francoforte nella Germania Ovest, dove la presenza americana è palese e gli eredi del nazismo stanno cercando di riaccreditarsi nel nuovo contesto, l’altro a Weimar nella Germania est, dove il blocco socialista a sua volta lavora per affermare la sua superiorità politica e culturale.

Durante questo viaggio un evento tragico - il suicidio di Klaus, secondogenito di Thomas - colpisce la famiglia Mann, e Thomas e sua figlia si trovano a dover fare i conti, ognuno a suo modo, da un lato con il ritorno in una terra che non riconoscono più, dall’altro con il dolore personale.

Come spesso accade nei film di Pawlikowski, la grande storia e la storia privata si saldano in maniera inscindibile, condizionandosi a vicenda. E dentro questo innestarsi della piccola storia in quella grande, il regista tocca temi universali, tra cui l’uso politico della cultura, il ruolo dell’intellettuale, il rapporto tra arte e vita, la relazione tra genitore (e che genitore!) e figli, la dinamica tra immagine pubblica e sentimenti privati, il difficile rapporto con le radici per chi è andato via volontariamente o per necessità.

Tutto questo all’interno di una confezione cinematografica in cui è riconoscibilissima la firma del regista polacco, dall’uso dell’elegantissimo bianco e nero al formato 4:3, fino all’importanza della musica (quella di Bach ha qui un ruolo centrale e catartico, ma ci sono molti altri intermezzi musicali anche eseguiti dal vivo).

Sandra Hüller – che dieci anni dopo Vi presento Toni Erdmann si ritrova nel ruolo di una figlia adulta alle prese con un padre non facile – è sempre magnifica, misurata e profonda al contempo, e Zischler nei panni di Mann rende molto bene la difficoltà di un uomo che ha ormai un ruolo quasi totemico nel fare spazio a sentimenti laceranti mentre deve governare la complessità di un mondo circostante che sente in parte estraneo e opportunista, e che vuole tirarlo nella direzione che a ciascuno fa più comodo.

Per questo la marcia indietro del finale e quello che ne consegue hanno un valore simbolico ed emotivo fortissimo che chiude magnificamente questa narrazione.

Voto: 4/5