Sulla scena, insieme ad Accorsi, la bravissima Francesca Del Duca che innanzitutto costruisce la tessitura sonora dello spettacolo con la sua voce e le sue percussioni, evocando sonorità primitive e ancestrali, in secondo luogo fa da spalla ad Accorsi rappresentando l’altro, ma soprattutto una Penelope che sta prima fuori dalla narrazione e poi ne diventa protagonista.
Accorsi è mattatore della scena interpretando non solo Ulisse, ma anche tutti gli altri personaggi, cambiando registro e anche dizione (esilarante l’uso dell’accento bolognese quando interpreta il re dei Troiani), e dando una connotazione fortemente fisica al protagonista, anche grazie a una scenografia che sembra quasi una struttura circense, e che di volta in volta fa da cavallo di Troia o da rappresentazione di Polifemo o da barca in mezzo al mare nella quale Ulisse viaggia insieme al suo equipaggio.
Su questa struttura Accorsi si arrampica, corre, tira di boxe, e a volte ne esce per spingerla e farla ruotare su sé stessa a seconda delle esigenze sceniche, trasferendoci così la fatica del suo ritorno a casa.
Il racconto della vittoria sui Troiani e poi delle peripezie di Ulisse per tornare a Itaca attinge a un linguaggio che si fa spesso colloquiale e ironico, e in cui non mancano riferimenti alla contemporaneità o comunque a vicende e personaggi di gran lunga successivi all’Odissea, rendendo lo storytelling accattivante e adatto a qualunque tipo di pubblico, senza però togliere forza e sostanza al capolavoro “omerico”.
In un certo senso, lo spettacolo riporta l’Odissea alle sue origini, ossia quella che, secondo una delle ipotesi più accreditate dagli studiosi, la considera una storia raccontata oralmente dagli aedi per intrattenere il popolo nelle pubbliche piazze e trasformata, integrata e parzialmente rielaborata ad ogni racconto fino a costituire un corpus letterario tramandato fino a noi.
Accorsi è molto bravo, anche se questa deriva molto fisica mi fa un po’ sorridere e mi sa tanto di crisi di mezza età, però questo spettacolo mi conferma che il teatro è probabilmente la forma d’arte che lo valorizza di più; devo però anche aggiungere che la sua spalla, Del Duca, è il vero fiore all’occhiello dello spettacolo, applauditissima dal pubblico.
Uno spettacolo ironico e autoironico, divertente senza essere stupido né superficiale, che sa essere al contempo rispettoso e irriverente rispetto al classico che ci racconta.
Con la primavera inizia a Roma la stagione dei festival del cinema proveniente da altri paesi: si comincia con quello tedesco, ma a breve ci saranno anche quello irlandese, quello francese e lo spagnolo.
Il festival del cinema tedesco è quest’anno alla sesta edizione e si è svolto al cinema Quattro Fontane, con una durata di quattro giorni. Io ho fatto una piccola maratona domenicale, guardando in fila gli ultimi tre film della rassegna e ne sono uscita soddisfatta.
********************
No mercy
Il primo film è un documentario di Isa Willinger dedicato alla storia del cinema dal punto di vista delle donne. A partire da una frase della regista ucraina Kira Muratova, di cui la Willinger è studiosa e ammiratrice, la regista tedesca si interroga se sia vero e, nel caso, quali siano le motivazioni del fatto che il cinema delle registe donne sia più aspro nei contenuti e nella forma.
Non so se alla fine il film riesca a dare una risposta univoca alla domanda che si pone – forse la risposta sta nel come interpretiamo l’asprezza -, certamente però le interviste e gli spezzoni di film ci offrono una carrellata e un bellissimo affresco di un cinema fatto dalle donne che solo in parte mi era noto e che mi ha suscitato moltissime curiosità.
Ne viene certamente fuori una questione che riguarda, del resto, molti altri settori occupati a lungo solo da uomini, ossia il fatto che le donne registe hanno cominciato a trovare spazio e considerazione nel cinema solo in tempi relativamente recenti, e che molte registe di grande valore sono state volontariamente oscurate dai loro colleghi maschi.
Per quanto mi riguarda non è tanto e soltanto questione di sguardo maschile o femminile sul mondo – va detto che ci sono e ci sono stati registi e sceneggiatori uomini che hanno raccontato in maniera credibile ed esemplare figure femminili – quanto questione di avere molteplici punti di vista, che siano il più diversificati possibile, non solo a livello di genere, bensì anche a livello di provenienza geografica e culturale. Nell’arte, ancor più - se vogliamo che in tutti gli altri ambiti -, le minoranze portano ricchezza di vedute e varietà di approcci, e riescono a mettere in discussione il canone.
Short summer è il film diretto da Nastja Korkija, la cui protagonista è una bambina di 8 anni, Katya, la quale trascorre l’estate nella casa dei nonni nella campagna russa.
Apparentemente il film racconta di una classica estate di una bambina dai nonni, che trascorre tra sgambate in bicicletta con altri bambini, giochi in casa e fuori casa, partite a pallone, momenti di noia, e momenti di riposo. Però in quest’atmosfera quasi rarefatta e decisamente fuori dal tempo, a poco a poco emergono molteplici segnali di un contesto problematico: i nonni di Katya stanno divorziando e a breve venderanno la casa in campagna, per le campagne si aggira un giovane reduce della guerra in Cecenia che soffre di PTSD e compie azioni imprevedibili, in paese e in giro per la campagna ci sono solo vecchi e bambini, e molti dei vecchi hanno delle menomazioni, sulle ferrovie che attraversano l’area passano convogli che trasportano carri armati e altro materiale, la radio e la televisione danno notizie di una guerra in corso.
Capiremo verso la fine del film che siamo nei primi anni Duemila, alla vigilia della tristemente nota strage di Beslan, quando i separatisti ceceni presero in ostaggio 1.200 persone in un edificio scolastico dell’Ossezia del Nord e nel momento in cui arrivarono le forze militari russe oltre 300 persone furono uccise, tra cui moltissimi bambini.
Il film di debutto della Korkija vive del contrasto tra l’atmosfera bucolica, la calda luce estiva, la curiosità e l’innocenza dei giochi dei bambini da un lato, e lo squallore di luoghi abbandonati, l’orrore dei segni della guerra sui corpi e sulle menti delle persone, la tristezza e la sotterranea paura che attraversa questi luoghi.
Il tutto vissuto dal punto di vista di una bambina che coglie solo parzialmente quello che le accade intorno, ma che probabilmente in qualche modo ne interiorizza segni invisibili che porterà con sé da adulta.
Pur essendo stilisticamente molto diverso, Short summer mi ha ricordato il film Memory di Vladena Sandu, presentato alle Giornate degli autori a Venezia, che parlava anch’esso della guerra cecena e del punto di vista di una bambina. Quanto quel film era fortemente giocato sul voice over, tanto questo è invece costruito sui silenzi: in entrambi i casi il ritmo lento richiede attenzione, ma si insinua lentamente sotto pelle e resta dentro anche dopo la fine della visione.
Voto: 3,5/5
********************
The good sister
The good sister è l’opera prima di Sarah Miro Fischer, giovane regista che in questo film ha sviluppato l’idea con cui si è diplomata all’accademia di cinema, arrivando addirittura alla Berlinale e anche alla distribuzione fuori dai confini della Germania.
Protagonista è Rose (Marie Bloching), una giovane donna che, dopo la fine della storia con la sua compagna con cui convive, chiede ospitalità al fratello Samuel (Anton Weil) che vive in un piccolo appartamento. I due fratelli sono molto legati, e rapidamente Rose, oltre a occupare il divano di casa di Sam, entra un pochino nella vita di suo fratello, conoscendone gli amici e gli affetti, di cui non sapeva molto.
Una notte Sam porta a casa una ragazza; Rose sente voci e rumori, però pensa che la questione sia chiusa lì; fino a quando le arriva una lettera della polizia che la convoca come testimone nella denuncia di stupro che la donna ha mosso nei confronti di Sam.
Da questo momento comincia per Rose un complesso processo di introspezione, sia rispetto a sé stessa che rispetto al rapporto con suo fratello, che la porterà a fare i conti con il proprio essere donna, con i condizionamenti dei rapporti familiari, con le sfumature e i confini non sempre netti tra le situazioni e le percezioni individuali.
Il film della Fischer, pur adottando una struttura narrativa distesa, riesce a non essere didascalico e a dare spazio alle sfumature e alla complessità delle situazioni e dei sentimenti, e dunque mette lo spettatore di fronte alla necessità di interpretare, di dare la propria lettura e di fare le proprie scelte, come del resto accade nella vita.
La regista presente in sala ribadisce con forza questa natura aperta del film e il desiderio che siano gli spettatori ad attribuire senso e significato e non il film o la regista a spiegare tutte le scelte.
Ne Il ritorno Hisham Matar racconta, a volte in maniera distesa, altre volte come un flusso di coscienza, andando avanti e indietro nel tempo, la storia della sua famiglia e in particolare di suo padre, Jaballa, oppositore del regime libico di Gheddafi e per questo incarcerato, insieme ad altri componenti della sua famiglia, nella prigione di Abu Salim, tristemente nota per il massacro del 1996.
Hisham nasce nel 1970 a New York, in quanto in quegli anni suo padre faceva parte della delegazione libica presso le Nazioni Unite. Dopo pochi anni, la famiglia Matar si trasferì a vivere a Tripoli dove Hisham trascorse la sua infanzia fino ai nove anni. L'ascesa di Gheddafi e la condizione di oppositore di Jaballa costrinsero però la famiglia a trasferirsi in Egitto, al Cairo, dove Hisham visse fino al trasferimento in Inghilterra per studio. Lì Hisham rimase dopo l'incontro con Diana, che sarebbe diventata sua moglie, e l'inizio della sua attività di scrittore.
Ma ne Il ritorno, romanzo autobiografico che ha vinto il Premio Pulitzer nel 2017 nella sua categoria, Hisham si concentra in particolare sul momento di speranza che si riaccese nella popolazione libica dopo il rovesciamento di Gheddafi. In quella fase diversi membri della sua famiglia, lo zio e i cugini, furono liberati dalle prigioni libiche e tornarono a casa, e diversi libici che avevano abbandonato il loro paese ritornarono nella speranza di poter ricostruire una vita in patria. Nel caso di Hisham c'era soprattutto la speranza di avere notizie del padre, forse ucciso nel massacro di Abu Salim, o in altre circostanze, ma il cui corpo non è stato mai ritrovato e la cui morte non è stata mai confermata.
Il libro è dunque il racconto del disperato tentativo di conoscere la verità, ma anche una riflessione e un racconto su un paese e un popolo martoriati dalla dittatura e illusi dalla sua caduta, che - come oggi sappiamo - ha aperto la strada a una guerra civile e a una spaccatura mantenuta in equilibrio con armi e violenza.
Però, pur non potendo prescindere dalla storia del suo paese, il libro di Hisham è soprattutto la rappresentazione lucida e al contempo empatica dei sentimenti forti e contraddittori che legano un esule al suo paese di origine e a un padre che nella storia di quel paese ha avuto un ruolo centrale, ma che Hisham non vede da oltre 20 anni senza conoscerne il destino.
C'è tanto, tantissimo, in questo libro, di personale, ma anche tanto per comprendere realtà che sono fuori dalla nostra esperienza, e che solo attraverso la grande letteratura abbiamo la possibilità di provare a capire nelle loro specificità ma anche nelle forme di universalità che sono legate al nostro far parte di un'umanità che, nonostante le differenze storiche, sociali e religiose, condivide sentimenti, relazioni, desideri e piccolezze.
Prima di arrivare al teatro avevo letto poco, se non che il lavoro Ashes è fortemente incentrato sulle sonorizzazioni. Sul palco, quattro microfoni su aste e, alla destra dei microfoni, una postazione per il musicista Lorenzo Tomio che, con i suoi interventi musicali e sonori, non accompagna semplicemente lo spettacolo, ma ne diventa protagonista.
Dietro le aste, al buio e poi appena rischiarati da luci soffuse, compaiono quattro personaggi, interpretati da Marco Cavalcoli, Federica Dordei, Ivan Graziano e Arianna Pozzoli. Inizialmente di loro sentiamo solo i respiri e i gorgoglii in parte amplificati dai microfoni, poi comincia una specie di chiacchiericcio di fondo, fatto di piccoli monologhi, pensieri, brevi dialoghi, onomatopee, versi di animali e molto altro.
Non c’è una vera narrazione in senso tradizionale in questo spettacolo, e solo qua e là ci sembra di riconoscere un fil rouge nel racconto, forse la storia degli abitanti di una casa che seguiamo dalla fine del XIX secolo fino a un futuro nel quale la casa stessa diventa un luogo per illustrare com’era la vita un tempo e quali strani oggetti utilizzava questa umanità del passato.
Nel mezzo, situazioni, eventi, rumori, che raccontano di compleanni, capodanni, natali, nascite, morti, cadute, rapporti familiari, e altro che sta a ognuno decodificare, ovvero a cui ci si può anche solo lasciare andare.
Aleggia in quest’ora di spettacolo la ricerca di un significato della vita in relazione al tempo che passa, alle persone che cambiano e che si sostituiscono le une alle altre, in un andamento circolare e ineluttabile di cui rimane appunto un chiacchiericcio di fondo, su cui ogni tanto si accendono delle luci a illuminare momenti specifici, quelli che di solito immortaliamo e che spesso sono gli unici che vanno a costituire la nostra memoria, ma che comunque sono destinati a essere spazzati via, o a cambiare di significato nel tempo, o a essere perduti.
A tratti, lo spettacolo dei Muta Imago mi ha fatto pensare al film di Zemeckis Here che a sua volta si ispirava a un graphic novel, nonché a Sentimental value, perché in entrambi i casi – ove più ove meno – i luoghi e il tempo che passa si fanno protagonisti più ancora delle persone che li abitano. Le persone passano, i luoghi restano certamente oltre la vita delle persone ed è come se in qualche modo ne tramandassero una memoria silenziosa e invisibile.
Quando mi sono trasferita nella casa dove vivo adesso, nella casa di fronte alla mia vedevo spesso una signora anziana, ma tutto sommato in buona salute, uscire sulla terrazza a curare le sue bellissime e rigogliose piante. Talvolta, ne sentivo da lontano la voce mentre parlava con quelle che immagino fossero la figlia e la nipote. Poi all’improvviso la casa si è fatta silenziosa, le piante sono morte tutte, fino a quando ho visto ricomparire sul terrazzo altre persone, prima sporadicamente, poi abbastanza sistematicamente. Qualcuno di coloro che ci abitano adesso da qualche tempo sembra stare facendo anche qualche tentativo di piantare qualcosa.
C’è un misto di malinconia e tristezza, ma anche di sotterranea gioia nell’idea di quanto tutto conti e nulla conti, che siamo un momento nella storia, di grandissimo significato per noi stessi mentre viviamo, ma di scarsissimo significato nel grande orizzonte del tempo che passa inesorabile.
E Ashes ce lo ricorda, in modo delicato e forte, sottile e potente. Bello.
Tratto dall'omonimo romanzo di Andy Weir, Project Hail Mary, il film diretto da Phil Lord e Christopher Miller, vede protagonista il dottor Ryland Grace (un bravissimo Ryan Gosling, che io adoro da molti anni), un biologo molecolare che ha lasciato la ricerca e insegna in una scuola media. Il dottor Grace viene assoldato dal governo americano per partecipare al progetto Hail Mary, un tentativo di salvare la terra dalla catastrofe dovuta al fatto che degli agenti astrofagi stanno a poco a poco spegnendo il sole e le stelle delle altre galassie.
In realtà tutto comincia da Grace che si sveglia da un coma indotto senza ricordarsi chi sia e dove si trovi, fino a quando capisce di essere in una navicella spaziale lontanissima anni luce dalla terra e di essere solo perché i suoi due compagni di missione sono morti.
Inizia così una incredibile avventura in cui Grace non solo tenterà di salvare sé stesso - seppure con scarse speranze di sopravvivenza - ma cercherà di portare a termine l'obiettivo della missione. Alternando il presente nella navicella che cerca di raggiungere Tau Ceti (unica stella che pur attaccata dagli astrofagi non sembra esserne danneggiata) ai flashback sul passato che ci permettono di capire come si è arrivati fin lì e che sono in buona parte momenti in cui i ricordi del protagonista si riaccendono, attraversiamo questa storia che è un po' dramma, un po' giallo, un po' commedia, un po' spy story e ovviamente tanto sci-fi.
Project Hail Mary è ovviamente una favolona fantascientifica, e con questa consapevolezza va guardato, ma ha qualcosa che tanti film di fantascienza, concentrati solo sulla componente tecnologica e performativa, non hanno: il cuore.
Project Hail Mary è un film in perfetto equilibrio tra scienza e umanesimo, e l'anello di congiunzione tra questi due poli - affatto opposti - è il coming of age di un uomo adulto, che però buttato in un'impresa forse più grande di lui imparerà il senso di responsabilità e la cura.
Il racconto è anche uno straordinario inno al potere unificante della scienza, o meglio ancora del desiderio di conoscenza, che non solo è lo strumento per superare gli ostacoli, bensì è anche la molla per andare oltre i propri limiti e per incontrarsi con l'altro su un terreno se non condiviso, almeno cooperativo.
In questo senso il film è un incredibile messaggio di speranza, e una specie di auspicio che l'umanità riscopra il ruolo della scienza e della conoscenza come strumento di salvezza e non di distruzione.
E tutto questo lo fa non con un tono non lacrimevole e melodrammatico (anche se un po' di retorica e di melodramma è inevitabile e forse anche giusto in un film come questo), ma giocando moltissimo con l'ironia cosicché a più riprese la sceneggiatura strappa risate aperte e a loro modo intelligenti.
E poi c'è una Sandra Hüller che ci offre un nuovo personaggio ambivalente ed enigmatico, come solo lei sa fare, e quando canta Sign of the times di Harry Styles nella serata karaoke prima della partenza della navicella spaziale dalle terra riesce ad essere anche oltremodo affascinante.
Torno volentieri a leggere Chimamanda Ngozi Adichie, dopo l’intermezzo del volumetto Appunti sul dolore, nato dalle riflessioni suscitate dalla morte del padre della scrittrice di origine nigeriana.
In realtà, c’è in qualche modo un’ideale linea di continuità tra quel memoir e questo nuovo romanzo, L’inventario dei sogni, che nasce almeno in parte dal tentativo di elaborazione di un altro lutto, quello di sua madre, morta purtroppo a distanza di poco dal padre.
Con L’inventario dei sogni la Ngozi Adichie torna alle atmosfere di Americanah, il romanzo che me l’aveva fatta scoprire e a cui forse sono più affezionata proprio per questo motivo.
Protagoniste di questo libro sono quattro donne, Chiamaka, una ricca nigeriana che vive da tempo negli Stati Uniti e fa la scrittrice di viaggi, mentre cerca nel frattempo l’amore vero, quello con cui condividere la vera conoscenza reciproca, Zikora, un’avvocata di successo con un rapporto difficile con la famiglia e con gli uomini, Omelogor, uno squalo della finanza nigeriana che ha una vita di agi ma fa fatica a dare un senso alla propria esistenza, e infine Kadiatou, un’immigrata dalla Guinea, che lavora in un albergo come donna delle pulizie e fa da governante a Chiamaka.
Tutte queste donne fanno i conti con il loro essere donne e con il loro essere africane, due condizioni che, indipendentemente dalla ricchezza e dal successo che possono aver raggiunto nella vita, le espongono a situazioni non sempre facili da gestire a livello emotivo, che sono in parte universali e in parte di origine sociale e culturale.
Come ci spiega la scrittrice nella nota in fondo al volume, la figura di Kadiatou, in particolare, è ispirata alla storia vera di Nafissatou Diallo, la donna delle pulizie del Sofitel Hotel di New York che accusò di stupro l’allora direttore del Fondo monetario internazionale Dominique Strauss-Kahn, una vicenda che risale al 2011 e che rappresentò l’inizio della fine della carriera del politico francese. In realtà, come ci racconta la Ngozi Adichie, il suo intento era quello di partire da quella storia per ridare dignità e rotondità – al di là della verità dei fatti - alla sua protagonista femminile, che opinione pubblica e media hanno trattato in maniera davvero vergognosa.
Nel romanzo della Adichie, Kadiatou è il personaggio se vogliamo più fragile e sfumato, quello che la scrittrice nigeriana ritiene che sua madre avrebbe riconosciuto come vicina nella sensibilità e nelle emozioni, richiudendo il cerchio del dolore del lutto su una nota di speranza.
Non v’è dubbio che il romanzo della Ngozi Adichie sia un testo femminista, ma sono contraria a ridurre la sua forza e la sua bellezza a questa etichetta, anche perché la scrittrice ha uno sguardo sulle donne, in particolare quelle africane, nonché sugli uomini, molto articolato, stratificato, complesso che evita qualunque banalizzazione e semplificazione.
E poi, cosa non secondaria nei suoi libri, oltre a farci conoscere le sue protagoniste, la Adichie ci porta per mano a conoscere tutto il mondo che ruota loro attorno, quello dal quale provengono e quello nel quale vivono, offrendoci uno sguardo su società e culture che non conosciamo, ma anche su mondi che pensiamo di conoscere ma che, guardati dal punto di vista di queste donne, assumono significati e caratteristiche molto differenti. Alla fine della lettura non potremo dire di aver capito tutto, ma sicuramente avremo fatto esperienza indiretta di un punto di vista diverso e che mai potremo vivere in prima persona, se non attraverso la lettura. E questa è appunto la grandezza e la magia della letteratura.
Leggendo di questo film in giro, fin dal principio ho provato sensazioni ambivalenti che non mi facevano decidere ad andare a vederlo. Poi la scelta di due amiche di metterlo nella loro lista dei film da vedere mi ha convinto un venerdì pomeriggio ad allungarmi al Cinema dei piccoli per vederlo in lingua originale.
La storia raccontata dalla regista Beatrice Minger con la collaborazione di Christoph Schaub ruota intorno a una casa che l’architetta irlandese Eileen Gray realizza insieme a Jean Badovici, architetto anche lui e curatore di un’importante rivista di architettura, L’Architecture Vivante, sulla Costa Azzurra, nella zona di Roquebrune-Cap-Martin.
Siamo negli anni Venti: Eileen Gray partecipa della vita mondana parigina ed è nota soprattutto come designer di interni. L’incontro con Badovici la convince a progettare una casa, che viene realizzata vicinissima al mare, in mezzo a scogli e macchia mediterranea.
La casa sul mare, oltre a essere per alcuni anni il rifugio di Eileen e Jean, è un vero gioiello di design, che ben presto viene scoperta e ammirata da Le Corbusier, amico stretto di Badovici. L’architetto francese è quasi ossessionato dalla casa, forse insofferente al fatto che non ne sia stato lui l’ideatore, cosicché nel tempo, anche approfittando dell’amicizia con Badovici, mette in atto una serie di azioni decisamente anomale. In assenza di Eileen, Le Corbusier ricopre molte delle pareti interne della casa di suoi dipinti colorati (Le Corbusier non era un grande pittore e comunque Eileen aveva scelto con cognizione di causa di avere pareti bianche) e successivamente costruisce non lontano da E.1027 il suo Cabanon, che è il luogo dove alfine morirà.
Il nome della casa nasce dall’intreccio delle iniziali di Eileen e Jean; purtroppo però dopo la morte di Badovici senza testamento, la casa prende una strada che non incrocia quella di Eileen, fino a una fase di completo abbandono, dalla quale è stata recuperata negli ultimi decenni per diventare meta turistica sulla Costa Azzurra.
I registi del film scelgono di intrecciare documentazione d’archivio, che ricostruisce il contesto storico nel quale Eileen e gli altri protagonisti si muovevano, e momenti di ricostruzione con attori che recitano in parte su un palcoscenico quasi vuoto in una messa in scena teatrale e in parte nella casa o nei suoi dintorni raccontando momenti di questa vicenda, attraverso gli scritti e i documenti studiati.
Non manca un breve contributo filmato con una intervista alla stessa Eileen quasi centenaria (è morta nel 1976 a 98 anni) che, pur nella pacificazione della vecchiaia, non manca di ricordare che Le Corbusier intervenne in maniera invasiva su una casa che lei aveva voluto in un modo specifico.
La storia è molto interessante davvero, e personalmente non ne sapevo assolutamente nulla. Le modalità di raccontarla sono pure originali, ma devo dire che non mi hanno convinta del tutto. Ho trovato il risultato un po’ meccanico e faticoso, e forse a tratti anche un pochino pretenzioso e noioso. Però la vicenda mi resterà decisamente impressa, e questo è già un merito del film. Voto: 3/5
Anche per questa mostra mi affido a Vincenzo di Rome Guides, che è ormai diventata la mia soluzione preferita tutte le volte che voglio vedere una mostra godendomela completamente. E anche questa volta Vincenzo non delude, costruendo un percorso all’interno delle sale che riesce a creare connessioni anche lì dove un visitatore non esperto farebbe fatica a trovarne.
Prima di entrare ci introduce un po’ il ruolo di Gian Lorenzo Bernini nella Roma seicentesca, e ci anticipa che le parti migliori della mostra sono la prima e l’ultima sala, quelle che più facilmente conquistano il visitatore anche su un piano puramente emotivo, mentre le quattro sale intermedie richiedono maggiori elementi informativi e di contesto per poter essere apprezzate pienamente.
La prima sala della mostra è dedicata al rapporto tra Pietro e Gian Lorenzo, padre e figlio: Pietro Bernini era uno scultore toscano molto apprezzato e stimato e il giovanissimo Gian Lorenzo iniziò a lavorare proprio nella bottega del padre, collaborando alla realizzazione di alcune opere. In questa sala, dunque, sono in mostra alcuni lavori interamente di Pietro, poi le statue delle Quattro Stagioni, realizzate con la collaborazione di Gian Lorenzo, e infine si arriva a tre statue realizzate in autonomia dal figlio, due di San Sebastiano e una di San Lorenzo. Questo percorso permette fin da subito di apprezzare il salto tra Pietro e Gian Lorenzo e di riconoscere nell’arte di quest’ultimo delle qualità di movimento e leggerezza che nel corso della sua carriera egli portò ai massimi livelli.
La seconda sala è dedicata invece in gran parte al progetto e alla realizzazione del baldacchino di San Pietro, opera fortemente voluta da Maffeo Barberini e affidata ad un ancora giovanissimo Gian Lorenzo Bernini, per il quale Maffeo aveva non solo una straordinaria ammirazione ma una fortissima affezione, quasi come fosse un figlio.
La sala successiva mostra una parte del lavoro di ritrattista di Gian Lorenzo, e non a caso proprio a Maffeo Barberini sono dedicati diversi busti in una forma più istituzionale ma anche più privata. La nostra guida ci fa notare che le capacità di Gian Lorenzo come ritrattista sono particolarmente riconoscibili quando lo scultore può rappresentare una persona che conosce di persona e non qualcuno che non ha mai incontrato e che ha potuto vedere solo in altre rappresentazioni. Impressionante in questa stanza il ritratto di Papa Paolo V, commissionatogli da Scipione Borghese.
Nella due stanze successive, Bernini viene messo in relazione da un lato con altri importanti scultori e ritrattisti della sua epoca, in particolare Giuliano Finelli, a cui si ispirò soprattutto per il modo eccelso in cui quest’ultimo scolpiva barbe e capelli, dall’altro con un altro grande artista del suo tempo da lui sommamente ammirato, il pittore bolognese Guido Reni. Nella stanza dove ci sono due dipinti di Guido Reni è presente anche il modello originale in terracotta dell’elefantino che fu commissionato a Bernini per potervi posizionare sopra l’obelisco del tempio di Serapide e destinato a piazza della Minerva, modello che come si sa fu poi fatto modificare con grande disappunto di Bernini che per questo motivo non mancò di fare dispetto ai domenicani.
Nell’ultima sala, oltre a due busti più tardi della sua produzione, quello di Thomas Baker e quello di Costanza Bonarelli, sua amante fino al drammatico epilogo che coinvolse anche suo fratello, sono esposti alcuni dei quadri di Bernini. L’artista non amava particolarmente la pittura, ma proprio Urbano VIII lo spingeva anche in questa direzione per farne un artista completo, il nuovo Michelangelo, con gran lustro non solo dello stesso Gian Lorenzo, ma anche del suo pontificato e della sua epoca.
In definitiva una mostra che ha preso lustro soprattutto grazie alla grande competenza e alla capacità di Vincenzo di creare collegamenti e rendere interessante il percorso, ma che forse in assenza della sua guida sapiente avrei trovato molto meno interessante e significativa.
Bibliotecaria di professione, mescolo la passione per le biblioteche con mille altri interessi (cinema, musica, teatro, fotografia, letteratura, viaggi), cui cerco di dare spazio e sfogo in questo blog.
Per il nome di questo blog devo ringraziare le suggestioni del grande maestro Zygmunt Bauman e, in particolare, il suo libro "Homo consumens. Lo sciame inquieto dei consumatori e la miseria degli esclusi", sebbene a me lo sciame inquieto suggerisce anche qualcos'altro di più personale.
Post
